martes, 1 de agosto de 2017

The Rolling Stones play Chuck Berry

La historia es harto conocida. En la estación de tren de Dartford, Keith Richards se acercó a Mick Jagger. La cara le sonaba del colegio. Le preguntó por los discos de Chuck Berry y Muddy Waters que llevaba bajo el brazo y se pusieron a hablar de blues. Ese fue el puntapié inicial para el nacimiento de The Rolling Stones. En marzo de este año, ante la noticia de la muerte de Chuck Berry, Keith Richards dijo “una de mis luces se apagó"; "es el fin de una era" opinó Ronnie Wood, mientras que Mick Jagger aseguró que "Chuck Berry dió vida a nuestros sueños de poder ser músicos de Rock & Roll.". Estas palabras tan sentidas, nos dan una dimensión de la importancia que tuvo el viejo pionero para la banda británica. Sin embargo, el legado musical de Berry, recae fundamentalmente sobre Richards. Hace poco, la revista Rolling Stone publicó una entrevista al viejo Keith, dedicada a su ídolo. Reproducimos en esta entrada algunos pasajes y de paso, compartimos una playlist con aquellos covers que los Rolling Stones han grabado, fundamentalmente en los años sesentas.

“Una vez vimos s Chuck Berry en New York. Al finalizar el show fui a los camarines y allí estaba su Gibson en el estuche. Por exclusivo interés profesional, agarré la guitarra y apenas pulse una cuerda, Chuck me dió una trompada en el ojo izquierdo. Con el tiempo me dí cuenta de que el error fue mío y que yo hubiera hecho lo mismo.” 

“Chuck es como un abuelo para todos nosotros. Aunque seas un guitarrista que no lo nombrarías entre tus influencias, su legado seguro puede ser encontrado entre tus referentes. El es la pura esencia del rock & roll. La forma en que se movía, como manejaba el ritmo era místico y algo que merecía la pena ser contemplado. Usaba todo su brazo para tocar, su hombro y codo... (la mayoría de los guitarristas usan solo su muñeca) yo mismo sigo trabajando en usar el hombro un poco mas. Y su expresión…  la sonrisa de Chuck estaba siempre, no importaba lo que estuviera tocando.”

“Las letras de Chuck eran todo … cómo podes salir con algo como "Too Much Monkey Business"? "Jo Jo Gunne," "School Days," "Back in the U.S.A."?! y "Memphis, Tennessee" !? Es perfecta! Tiene una belleza propia, una ternura. Y la secuencia de acordes, hermosamente tocada, la batería es maravillosa. Y todo en 2 minutos y medio. Su música es interesante para tocar porque no es tan simple como parece y también tiene que ver con cuán interesante la haces parecer vos. El ritmo y el swing que le ponía Chuck le daba un sabor diferente, ese es el significado del rock & roll: es elástico, cada uno le pone lo suyo. Cuando los Stones tocaban en clubes, era básicamente Chuck y el blues – lo cual para mi no es diferente! Nos encantaba tocar "Around and Around."

“Hay un periodo de oro de Chuck, sus años de Chess, allí hizo sus mejores discos, con los mejores músicos, con Willie Dixon detrás. Siempre pienso en el término “exuberante" cuando escucho aquellos discos, era exuberante de principio a fin – la producción, el sonido, la energía que tenían. En sus discos posteriores, siempre lo escuché como buscando algo. Y la prisión no lo ayudó en absoluto. Cuando salió, era una hombre diferente.”

“Era increíblemente versátil para la música. Podía tocar cualquier cosa, guitarra como los viejos jazzeros,– Charlie Christian, y definitivamente T-Bone Walker con ese trabajo de la doble cuerda tan importante. Era un gran fan del Nat King Cole Trio. El escuchaba de todo, le gustaba la música country también. Su música es una increíble mezcla americana. También hay música española, bayou y pantano de New Orleáns.”

“En 1986, cuando hicimos “Hail! Hail! Rock 'n' Roll”, me mudé a su casa por algunas semanas. Fue como un sueño hecho realidad… estoy viviendo en la casa de Check Berry, armando una banda con el! Steve Jordan, Chuck Leavell y Joey Spampinato también estaban, y cada día era una aventura diferente. Una noche me desperté y lo encontré con una enorme máquina limpiando las alfombras "Alguien lo tiene que hacer! "

La escena de “Carol” en la película era una especie de juego hacia mi, me estaba tomando el pelo. Es cierto, me esta corrigiendo, pero se puede tocar levemente diferente cada vez. Yo pensé "Bueno, le mostraré que tan estoico puedo ser en ocasiones como esta!” 

“Cuando me llamaron para darme la noticia de su fallecimiento, no fue un shock total e inesperado, pero tuve una sensación extraña, y me hizo volver al día que Buddy Holly murió. Estaba en el colegio y el rumor empezó a propagarse. Toda la clase dio este gemido de terror. Esta vez fue la misma sensación en los intestinos. Me pegó más fuerte de lo que creía.”

Entrevista por Patrick Doyle para Rolling Stone


Playlist

Aunque algunas de las composiciones no son originales de Chuck Berry, los Rolling Stones usaron sus versiones como referencia principal. 

Come On
Carol
Confessin’ the blues (MacShannan, Brown)
Around and around
You can’t catch me
Route 66 (Troup)
Talkin’ ‘bout you (Ray Charles)
Down the road apiece (Don Rae)
Don’t lie to me (original de Tampa Red, luego modificada por Fats Domino)
Bye Bye Johhny
Let it Rock
Little Queenie
Sweet Little Sixteen




domingo, 16 de julio de 2017

La música de Chuck Berry

"Mi música es simple. Yo quería tocar blues pero no era lo suficientemente "blue", digamos, como Muddy Waters. Gente que realmente la había pasado mal. En mi casa había comida en la mesa. Entonces me concentre en hacer música divertida, autos, chicas, adolescentes, discos que los blancos pudieran comprar. Ese era mi objetivo: mirar en mi cuenta bancaria y ver un millón de dólares"

Chuck Berry, Revista Rolling Stone, 2001




  

domingo, 2 de julio de 2017

Janis Joplin, Otis Redding y Jimi Hendrix - Monterey International Pop Festival – 1967

El Monterey International Pop Festival fue un encuentro icónico para la cultura joven de los sesentas. Entre sus estrellas consagradas podemos mencionar a Jefferson Airplane, The Mamas & the Papas y The Who. En junio se cumplen 50 años de este festival que quedó en la historia como el padre de todos los festivales de rock y aprovechamos para repasar cómo Janis Joplin, Otis Redding y Jimi Hendrix, fueron catapultados a audiencias masivas gracias a este evento. 

Janis Joplin había empezado como cantante de blues y folk acústica en bares y tugurios ruteros, pero su carrera tomó otro impulso cuando se unió como cantante por primera vez en su vida a una banda con guitarras eléctricas: “Big Brother and the Holding Company”. Esta combinación de rock psicodélico y blues le sentó a la perfección. Aún así, ni el grupo (ni su cantante) habían sido visto aún por grandes audiencias ni managers importantes. De hecho en el afiche del festival aparece anunciado en letra muy pequeña y solo como “Big Brother…”. El show que dieron el viernes al inicio del festival, fue tan poderoso que fue necesario repetirlo para que D.A. Pennebaker, el documentalista a cargo del registro de los shows, pudiera filmarlo e incluirlo en la película oficial del film. Para eso, volvieron a tocar el sábado y el resultado fue igual o más impactante. Janis Joplin, con solo 24 años, muestra una voz y una interpretación poderosísimas. El renombrado manager Albert Grossman firmó con la banda de inmediato, lo que derivó en un posterior disco para Columbia Records. En breve fue evidente que Janis Joplin estaba a otro nivel que los Big Brother, y dejó la banda un año después. Pueden leer la review de su disco I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama de 1969, de Escuchate Esto! 

Janis en Monterey

Gracias a The Rolling Stones, The Beatles u otras bandas británicas, los artistas negros eran muy bien recibidos en Inglaterra y Europa. Pero era en su tierra donde tenían que trabajar a esas audiencias rockeras. Ya hemos mencionado elpaso de Otis Redding por el Whisky A Go Go como primer acercamiento a un pùblico mayoritariamente blanco. También realizaba conciertos en fiestas universitarias, pero no alcanzaba. Por eso, la importancia capital de Monterey. No solo por el público, sino también por la prensa y gente de la industria que asistió al festival. Otis Redding se enfrentó a un público casi totalmente ajeno a su música. Aún así, tomó el control del show. En la actualidad solo puedo pensar en una sola banda con las herramientas y la fuerza necesarias para hacer algo así y conquistar por entero al público: Vintage Trouble (lo vi con mis propios ojos en Lollapalooza Arg). Volviendo a Otis Redding, la forma en que maneja a la audiencia es magistral. Redding sacudió a Monterrey, pero el festival y todo su ambiente también influyeron en él. En su modo de componer, aparecía un nuevo estilo, nuevos arreglos, y (Sittin’ on the) Dock ofthe Bay, su mayor éxito, editado en forma póstuma, es un claro ejemplo de ello

Otis en Monterey


Ya hemos hablado del Hendrix del chitlin circuitLa carrera solista de Jimi Hendrix, sin embargo, empezó en 1966 cuando se cruzó con el manager Chass Chandler y formó “Experience” con Noel Redding y Mitch Mitchell. Tuvieron mucho éxito en Londres, en mayo del 67 se editó su primer disco, Are You Experienced. Todo estaba bien, pero Hendrix y su banda necesitaban hacerse un nombre en Estados Unidos. Y gracias a Paul MacCartney, muy ligado a la organización de Monterrey, Hendrix integró la grilla de artistas. Casi nadie imaginaba que el trío sería tan explosivo. La banda fue presentada por Brian Jones, guitarrista de los Stones y tocaron canciones como ‘Foxy Lady’, ‘Like a Rolling Stone’, ‘Hey Joe’, ‘The Wind Cries Mary’ y ‘Purple Haze’. Hendrix desplegó todas su pirotécnica durante el show. Pero faltaba lo mejor. Eligieron el cover de ‘Wild Thing’ para cerrar y durante esa canción, Jimi Hendrix prendió fuego su Fender Stratocaster. Este es el momento más perfecto, mas icónico en toda la historia del rock. La foto tan célebre es de Ed Caraeff. Esa imagen hizo que todo Estados Unidos conociera a Jimi Hendrix. Nacía una leyenda…y una remera.

Jimi en Monterey

Fuente:

viernes, 16 de junio de 2017

In performance in the white house

Artistas como Stevie Wonder, Otis Redding, Booker T. Jones, Buddy Guy, B.B. King, Mick Jagger, Aretha Franklin o Ray Charles han sido honrados o han protagonizado la serie de conciertos llamados “In Performance at the White House”. Este ciclo comenzó en 1978 y ha abarcado virtualmente cada género de la historia de la música norteamericana. Estos shows que compartimos en Escuchate Esto! fueron grabados durante la administración Obama y abarcan puntualmente la historia de la música negra con eventos relacionados con el movimiento de los derechos Civiles, Motown, Memphis, el Blues; son ciclos que exploran las ricas raíces de la música americana, incluyendo el country y el jazz. 


Tributo a Motown



Tributo a Ray Charles

miércoles, 24 de mayo de 2017

Otis Redding - Soul Manifesto - 2016

Este año se cumplen 50 años de la muerte de Otis Redding, uno de los cantantes de Soul mas importantes, influyentes y vigentes de la historia. En 2016 se editó una caja titulada "Soul Manifesto", que no trae nuevos remasters, ni tampoco nada original respecto al arte de los discos, pero es una gran oportunidad para repasar la obra de Redding de principio a fin. La colección abarca sus 8 discos de estudio y discos en vivo grabados antes de su muerte, además de 4 álbums que salieron en forma póstuma. Redding fue un cantante único, cuyo fraseo vocal y música cruda, a cargo de Booker T & The Mg's y los Memphis Horns, definieron el sonido del soul de Memphis. En esta entrada de Escuchate Esto! compartimos esta colección de soul perfecta repasando su contenido disco por disco.

Pain in My Heart
Covers de artistas que Redding admiraba, es lo que mas encontramos en su álbum debut. El uso de la sección de vientos era innovadora por aquellos tiempos. “These Arms of Mine” y "Pain in my heart" son dos canciones que definirán la "balada soul" por toda la eternidad. A lo largo de toda la colección comprobamos que su carrera es un gran tributo a su ídolo, Sam Cooke. Aquí hay una versión de “You Send Me” y el clásico de Little Richard “Lucille”. Ambas muestran la versatilidad del cantante.
The Great Otis Redding Sings Soul Ballads. 
Otis Redding sigue dejando su sello en la historia de la música americana con baladas como “Nothing Can Change This Love” (otra vez Sam Cooke) y “That’s How Strong My Love Is.”






Otis Blue/Otis Redding Sings Soul.
El tercer álbum en su carrera es la gran obra maestra. Rock, soul, y blues. Canciones como “Respect” y “I’ve Been Loving You Too Long”, "Rock me baby" (B.B. King), además del cover de The Rolling Stones “Satisfaction”. Si, también hay covers de Sam Cooke.

The Soul Album.
Un disco mas fino, con algo de blues “Cigarettes and Coffee”, “Chain Gang” de Cooke y una versión del funky “634-5789” de Wilson Pickett.



The Otis Redding Dictionary of Soul:
Otro discazo, con sus mega clásicos “Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song),” “Try a Little Tenderness,”  y una de las mas crudas versiones de “Day Tripper" de The Beatles que hayas escuchado.





King and Queen.
La reina es Carla Thomas. Este es el último disco editado entes de la muerte de Otis Redding. Acá hay de todo: Memphis, Motown, Ray Charles, y si, Sam Cooke. El dúo funciona muy bien y el repertorio elegido es muy acertado: “Knock on Wood,” “Tramp,” “It Takes Two,” y “Bring It on Home to Me.”
Ambos discos en vivo dan cuenta de la potencia y crudeza que Otis Redding y su banda eran capaces de desplegar en sus shows.





The Immortal Otis Redding / Tell the Truth
Su canción más emblemática, editada días después de su muerte, "The Dock of the Bay", esta incluida en discos postumos como este, que también incluye “Dreams to Remember”. Algunos clásicos de Ray Charles aparecen en el segundo, lo cual justifica llegar hasta el final de esta colección.





Si querés conocer mas sobre Otis Redding, revisa este blogEncontraras referencias a este grandote bonachón por todos lados donde busques. Y esta vez, no lo dudes y Escuchate Esto!


SOUL MANIFESTO: 1964-1970

Pain In My Heart (1964)
The Great Otis Redding Sings Soul Ballads (1965)
Otis Blue: Otis Redding Sings Soul (1965)
The Soul Album (1966)
Complete & Unbelievable: The Otis Redding Dictionary Of Soul (1966)
King & Queen - with Carla Thomas (1967)
Live In Europe (1967)
The Dock Of The Bay (1968)
The Immortal Otis Redding (1968)
In Person At The Whisky A Go Go (1968)
Love Man (1969)
Tell The Truth (1970)

sábado, 6 de mayo de 2017

Stevie Ray Vaughan - Couldn't stand the weather - 1984 por Luther Blues

Compartimos una acertada reseña de "Couldn't Stand the Weather" de Stevie Ray Vaughan a cargo de nuestro amigo Luther Blues desde su blog 101BluesLLegar II y de paso, escuchamos el disco completo.


Accede a la reseña completa publicada en 101BluesLLegar II aquí

lunes, 10 de abril de 2017

J.B. Lenoir - Down in Mississippi - 1966

Un bluesman que canta y toca la guitarra, acompañado solo por un baterista con un beat muy africano con huellas de jazz. Además, canta letras contra la guerra de Vietnam, los políticos y el racismo. Todo es atípico en J.B. Lenoir. Aprovechamos esta entrada de Escuchate Esto! para conocerlo y escuchar el disco "Down in Mississippi", 

Lo que me pasó a mi, le habrá pasado a cientos alrededor del mundo: En 2003, con el documental de Wim Wenders “The Soul of a Man", muchos de nosotros descubrimos a J.B. Lenoir (Monticello, Mississippi - 05/03/29), es uno de los tantos personajes del blues que debemos conocer.

Influido mas que nadie por Blind Lemon Jefferson y Lightnin’ Hopkins, J.B. se mudó a New Orleans en la década del 40, donde tocó junto a Sonny Boy Williamson II y Elmore James. En la década siguiente mudó su voz aguda y su chaqueta con estampado de cebra a la ciudad de Chicago. Allí, Big Bill Broonzy lo apadrinó y tocó con Memphis Minnie, Muddy Waters, Little Walter, y formó su propia banda, "J.B.. and his Bayou Boys". En 1951 grabó sus primeras canciones.
Sus inquietudes sociales siempre estuvieron en sus letras. Títulos como “Korea Blues” o "Eisenhower Blues" dan fe de ello. El 1954 el sello Parrot intentó quitarle peso social a sus canciones, para evitar algún tipo de censura y baja en sus ventas. "Eisenhower Blues" fue rápidamente reemplazado por un single menos controversial. Algunas canciones usaban el humor en sus letras, como "Don't Touch My Head" (en el que daba cuenta de los esfuerzos que hacía para peinarse) o "Natural Man." Pero su sonido no era ninguna broma: saxos (Alex Atkins y Ernest Cotton) tocando al unísono detrás del boogie guitarrero muy firme de J.B. Lenoir y la batería de Al Galvin con su beat rudimentario. No se sabe como, pero de alguna forma, todo encajaba. 

En esos años algunas de sus canciones disfrutaron de cierto éxito. Entre ellas, el clásico "Mamma Talk to Your Daughter", que alcanzó el puesto 11 en las listas Billboard de rhythm & blues y fue versionado por cientos de artistas, entre ellos Chuck Berry, Johnny Winter o Robert Palmer, por solo nombrar algunos. En 1965 y 1966 Lenoir realiza una gira por Europa junto a otras figuras del blues en el American Folk Blues Festival y graba dos discos con producción del gran Willie Dixon: “Alabama Blues” y “Down in Mississippi”.

"Down in Mississippi" fue grabado en Chicago en septiembre del '66. En el, se aprecia la fusión de blues acústico, percusión africana (African Hunch, lo llamó el) y letras sociales y apropiadas para la época. Tanto en el estudio, como en la posterior edición del material, J.B. Lenoir tuvo libertad absoluta. Se trata de nuevas versiones de algunas de sus antiguas canciones, además de mucho material, donde la crítica social prevalece. "Round and Round," "Voodoo Music," y "Feelin' Good" traen la influencia africana, "Slow Down" es la dulzura del soul; otras canciones hablan de Vientnam y de la discriminación racial como ningún otro bluesman de su generación en temas como "Down In Mississippi," "Shot on Meredith," y claro, "Vietnam Blues." El disco en básicamente un dúo entre J.B. Lenoir y el baterista Fred Below, con alguna colaboración de Dixon en coros. 

En su mejor momento creativo, Lenoir padece un infarto relacionado con unas heridas derivadas de un accidente de tráfico y fallece a la edad de 38 años el 15 de abril de 1967. Esta vez, no solo los invitamos a escuchar "Down in Mississippi", sino a ver también "The Soul of a Man" incluído en la serie de Martin Scorsese “The Blues”. 

Fuentes:
http://crucedecaminos.webnode.es/
allmusic.com
http://msbluestrail.org

Lista de Temas: 

Down In Mississippi 
Slow Down 
If I Get Lucky 
Shot On Meredith 
Round And Round 
Voodoo Music 
Born Dead 
B2 Leavin' Here 
Vietnam Blues 
How Much More 
Tax Payin' Blues 
Feelin' Good

viernes, 31 de marzo de 2017

El Soul Primitivo de Vintage Trouble

"Shows como el de Vintage Trouble no se ven mas" escribí hace un año en la crónica de su recital en Lollapalooza Argentina. Leyendo hace unos días una nota de Bernard Zuel sobre un concierto de VT en Australia, pude descubrir una de las claves de por las que Vintage Trouble es Vintage Trouble. Aquí comparto un pasaje de este texto: 

"Si hay un punto de giro para la banda, sin importar sus variadas influencias, es el film de los artistas de southern soul en su tour por  Europa en 1967, Stax/Volt Revue Live In Norway. Otis Redding, Sam & Dave, Eddie Floyd y la súper banda que integraban  The Mar-Keys y Booker T & The MGs, derrumbó audiencias y transpiró litros de sudor.

Ty Taylor, cantante de Vintage Trouble, escribió el año pasado que haber visto ese film "cambió mi vida, mi mirada sobre todo aquello que veía como cantante y todo lo que quería hacer desde ese momento en adelante." 
"Vimos Stax in Europe apenas formamos la banda," dice Nalle Colt, guitarrista de VT . "Pero también pienso que Ike and Tina Turner realmente conectan con nosotros, y Chuck Berry, Sam & Dave. Esa energía sobre el escenario era algo completamente fuera de control, nos conectó a los cuatro."


Tyler recuerda que cuando estaban grabando su disco debut, The Bomb Shelter Sessions, los cuatro Vintage Trouble miraban Stax/Volt nuevamente y entraban al estudio de grabación encendidos por "toda esa fiebre que tiene el Soul" y eso repercutió en nuestra performance.


"Nos ponía en marcha," dice. "Queríamos hacer lo mismo. Desde el inicio, quisimos hacerlo mas crudo y tratar de que la gente sienta emociones más profundas de las que suele sentir en otro show. A veces pensamos mas es eso que en las canciones en sí, se trata de conectar."




Autor: 
Bernard Zuel

lunes, 20 de marzo de 2017

Chuck Berry - 1926 - 2017

Me enteré de la muerte del viejo Chuck el sábado a la noche a través de twitter, en la cuenta oficial de los Rolling Stones y las personales de Mick, Keith y Ronnie. Pero instantes después me cayó una catarata de testimonios de grandes figuras del Rock y aledaños que en 140 caracteres lo despedían y dejaban una percepción sobre su infinita importancia y su inmortalidad indiscutida. Nadie va a definir mejor a Chuck Berry que sus propios discípulos. De Keith Richards a Dave Mustaine, esto escribían:


Keith Richards: "Esos discos q grabó Chuck Berry en los 50 todavía son el modo supremo de tocar la guitarra en el Rock & Roll. Una de mis luces se apagó."
Ronnie Wood. "Es el fin de una era." 
Mick Jagger: "Chuck Berry dió vida a nuestros sueños de poder ser músicos de Rock & Roll."
Paul Stanley: "Una piedra fundamental de lo que es, fue y será el Rock & Roll."
Eric Clapton: "No hay otro modo de tocar la guitarra en el Rock & Roll que no sea como la toca Chuck." 
Alice Cooper: "Todos nosotros en el rock, hemos perdido a nuestro padre." 
The Doobie Brothers: "Fue el padre del Rock & Roll, una influencia para todos nosotros, será recordado por siempre."
Gregg Allman‏: "El primero, el mejor, un amigo. Descansa en Paz." 
Roger Glover: "El primer disco que compré con mi propio dinero fue uno Chuck Berry. Toda banda de Rock & Roll del planeta ha aprendido con sus canciones. Inmortal." 
Steve Cropper: "No estaríamos haciendo esto si no fuera por Chuck Berry
Ringo Starr: "El fue Mr. Rock & Roll music."
ACDC: "Chuck Berry es Rock & Roll. Es un día triste, pero su música vivirá por siempre."
Dave Mustaine: "Uno de los primeros solos que aprendí fue uno de Chuck Berry." 
Rod Stewart: "Todo empezó con Chuck Berry. Nos inspiró a todos. El primer álbum que compré fue "Live at the Tivoli" de Chuck, y nunca fui el mismo."
Slash: "Indiscutiblemente fue el Rey."
The Doors. "Uno de los mas grandes innovadores del Rock & Roll y una enorme influencia para nosotros."
Brian May: "Fue extremadamente original y desafiante."
Toots Hibert: "Master Musician....Major Melody Maker...Roots of Rock & Roll....Fantastic Friend......"
Bruce Springsteen: "El mas grande autor de Rock & Roll que haya existido." 
Lenny Kravitz: "Ninguno de nosotros estaríamos aquí si no fuera por Chuck."
Joe Perry: "On Top de Chuck Berry es quizá mi disco preferido de todos los tiempos: define el Rock & Roll"
Fantastic Negrito: "Rey, leyenda, genio, un artista puro y maestro escritor de canciones." 
John Lennon : "Si quieres ponerle al rock and roll otro nombre, podrías llamarle Chuck Berry"




Pero nunca nos olvidemos, sin T Bone Walker, no hubiera habido Chuck Berry. Hoy Chuck se encuentra con su maestro.  

miércoles, 1 de marzo de 2017

Sharon Jones & The Dap Kings - 100 Days, 100 Nights - 2007


“Nunca dejé de cantar, ya fuese en bodas o en bares, y siempre interpreté la música en la que creía: Gospel, Soul, Funk… Cuando conocí a Gabe Roth me di cuenta de que Daptone Records no daba importancia al aspecto de sus artistas, sino únicamente a su talento. Buscaban tres coristas para un single de Lee Fields, y me hicieron una audición. Me escucharon y de inmediato me propusieron hacer un álbum.” 

Quien dice esto es la cantante Sharon Jones, el año es 2001 y el álbum al que hace referencia es "Dap Dippin' with Sharon Jones & the Dap Kings". El disco fue editado en 2002 y desde entonces nada fue igual para la escena del soul mundial. Con un sonido clásico logrado a la perfección, Sharon Jones & The Dap Kings, y también Amy Winehouse y Marc Ronson, trajeron el Soul de vuelta a la escena. Esta vez en Escuchate Esto! repasamos la historia detrás de su tercer álbum de estudio, “100 days, 100 nights” y como, sin proponérselo, Amy Winehouse ayudó a Daptone.

Sharon & Roth
La portada, el sonido, el videoclip, todo en “100 days, 100 nights”, nos remite a los sesenta, a nuestro queridísimo sello Stax Records. El responsable de ese sonido tan logrado es Gabriel Roth, también conocido como Bosco Mann, bajista de la banda y uno de los fundadores del sello. “Daptone es como una gran familia, explica Sharon Jones. Yo participé activamente de sus comienzos, construyendo el estudio y decidiendo temas clave como el nombre de la compañía. Por eso cuando me preguntan cómo es ser una artista de Daptone Records me gusta decir que yo SOY Daptone Records (Risas)".

En una entrevista a MTV News, Marc Ronson, productor de Amy Winehouse, cuenta que mentrás preproducía el disco "Back To Black", 
estaba buscando un sonido clásico. “Usamos cada truco disponible en el estudio para sonar retro, pero nada me convencía. Hasta que escuche el cover de los Dap-Kings de “Uptight (Everything’s Alright)” de Stevie Wonder. No podía creer que estos tipos en Brooklyn tuvieran ese sonido, sonaban como los discos que yo amaba”. Entonces, Ronson le pidió a la banda que acompañara a Amy en el estudio. Según Roth, él y la banda (músicos de soul de segunda generación, como Binky Griptite, Fernando Boogaloo Velez y Homer Funkyfoot Steinweiss) “habíamos pasado horas eternas recorriendo el país en una van, escuchando a Sam Cooke y a los the Isley Brothers, viviendo y transpirando rhythm and blues.”. En comparación, esto era un laburo fácil y bien pagado (350 dólares por músico por tema).

Amy & The Dap-Kings
Jones nunca tuvo el físico que las discográficas querían para sus estrellas. Todo estaba bien si se limitaba a ser corista en un segundo plano. “Yo sabía que mi voz era un don que me había regalado Dios, y era frustrante que sólo me juzgasen por mi aspecto, y no por mis cualidades.” Esta vez, la historia se repetía para ella: quedaba afuera de un trabajo importante e incluso de su propia banda. “Pero estaba bien, cuenta Jones. Los Dap-Kings tenían un buen trabajo y eso estaba bien. pero aún así pensaba… “Conseguite tu propia banda!” . Ese sentimiento se amplificó cuando Winehouse contrató a los Dap-Kings en su gira debut por Estados Unidos.



Amy Winehouse en vivo con The Dap Kings

 “Back to Black” se convirtió en un éxito masivo y Roth ganó un grammy en el rubro técnico. Esto supuso que de repente un montón de gente iba a estar nuevamente interesada en el soul y en esa banda que acompaña a Amy. "Agradezco a Dios por Amy y Marc" finaliza Sharon Jones su entrevista con MTV. Daptone Studios se convirtió en el destino obligado para todo aquel que quisiera sonar retro por aquellos días. 


Marc Ronson devolvió la gentileza y colaboró en “100 days, 100 nights” y el resultado es exquisito. No voy a hacer una crítica del disco, son diez temas que te dejan con ganas de escuchar mas y hay que volver a darle play otra vez. “100 days, 100 nights”, “Be easy”, “Let them knock”, “Something’s changed” o “Keep on looking”, todos los temas son increíbles. 

Dap-Kings grabando 

La comparación con las grandes damas de soul se hace una vez más inevitable. Pero claro, James Brown también la influyó. Sharon cuenta en una entrevista, que “de niña pude ver a James Brown varias veces en vivo en Augusta, porque aunque me fui con mi madre a Nueva York, volví allí varios veranos con mi padre, y él me llevaba a sus conciertos. Recuerdo el primero al que asistí, y quedarme alucinada viendo a aquel hombre que no caminaba, sino que parecía flotar sobre el escenario. Recuerdo que mi hermano Henry solía imitarle cuando éramos pequeños, y como yo era la típica niña que siempre estaba rodeada de chicos, empecé a hacerlo también, y creo que esa influencia perdura a día de hoy a nivel escénico.”


Luego de una larga batalla contra el cáncer de páncreas, Sharon murió el 18 de noviembre de 2016. Pero gracias a su legado y a la vigencia de Daptone, el soul seguirá sonando desde Brooklin por mucho tiempo mas.


“100 days, 100 nights”  encontralo acá



fuentes: 
afrocubanlatinjazz4.blogspot.com.ar
amazon.com
hipersonica.com
intothewildunion.blogspot.com.ar
musicasoul.blogspot.com.ar
www.bbc.co.uk
www.mtv.com
https://www.youtube.com/watch?v=cgSYB0wOwU0


Lista de temas:
 "100 Days, 100 Nights" (Bosco Mann)
"Nobody's Baby"  (Homer Steinweiss/ Bosco Mann)
"Tell Me"(Neal Sugarman/Sharon Jones)
"Be Easy" (Mann)
"When The Other Foot Drops" (Uncle Mann/Steinweiss)
"Let Them Knock" (Mann)
"Something's Changed" (Mann)
"Humble Me" (Mann)
"Keep On Looking" (Tommy Brenneck/Steinweiss)
"Answer Me" (James Bignon)
"Settling In" (Bonus Track)                
"Collection Song" (Bonus Track)


La banda esta compuesta por:

Sharon Jones (Voz)
The Dap Kings son:
Homer Steinweiss (Bateria)
Binky Griptite (Guitarra)
Bugaloo Velez (Congas)
Dave Guy (Trompeta)
Tommy ‘TNT’ Brenneck (Guitarra)
Bosco Mann (Bajo)
Neal Sugarman (Saxo Tenor)
Ian Hendrickson-Smith (Saxo Baritono)




 

jueves, 2 de febrero de 2017

Ray Manzarek - Sobre el nacimiento de The Doors, Ligth my fire y la influencia de la música negra


"No haces musica para la inmortalidad, la haces para el momento, para demostrar que estas vivo en esta Tierra. Todo el mundo debería experimentarlo alguna vez."
Podríamos escuchar a Ray Manzarek contar historias de The Doors por horas, y no nos aburriríamos. Y mucho mejor sería si, como en este caso, tiene su Vox Continental delante. En este pequeño video, Manzarek explica su encuentro con Jimi Morrison en la Universidad de Cine de California, la génesis de The Doors, y cómo compusieron Ligth my Fire entre los 4 miembros de la banda. Pero lo que mas me llamó la atención de esta charla del tecladista, es la cantidad de veces que menciona la influencia del jazz y la música negra en el grupo.
Que Morrison tenia una voz embrujada, muy a lo Chet Baker; que mientras lo escuchaba cantar Moonligth Drive, ya imaginaba un acompañamiento funky, bluesy, onda Ray Charles; que The Doors nació como una banda de Jazz Rock, aún antes de que ese concepto existiera; que Krieger presentó Ligth My Fire como una especie de folk, pero Densmore propuso hacerlo mas latin jazz; que para la parte de las improvisaciones se le ocurrió emular "My favourite Thigns" de Coltrane. Por todo esto, me pareció que Escuchate Esto! era el lugar apropiado para compartir este video. Ojalá lo disfruten tanto como yo. 

domingo, 22 de enero de 2017

Otis Redding - Live at the Whiskey A Go Go: The Complete Recordings - 1966

En un interludio entre un tema y otro, Otis Redding anuncia que se está grabando un disco en vivo, y pide: “Compren este álbum, tenemos que comer la semana próxima!” y uno de sus músicos irrumpe en otro micrófono y dice “Tenemos que comer ESTA semana!”. Esta es una muestra perfecta de la necesidad que tenían los artistas de soul, de llegar a las audiencias masivas. Su desembarco en el Whiskey A Go Go en West Hollywood, California, fue un intento deliberado de salir del Chitlin Circuit y llevar su música a una audiencia rockera. Motown estaba creciendo mucho y Stax Records, en su alianza con Atlantic, no quería quedarse atrás. Entonces, Sunset Strip, lugar habitual de The Byrds o The Doors, por citar dos ejemplos emblemáticos, demostraba ser el sitio apropiado para presentar a Redding a un público mayormente blanco. Editar el disco en vivo, también era parte de esta estrategia. Cuando Otis Redding salió al escenario el 8 de abril, el aplauso fue moderado. Tuvo que trabajar mucho a esa audiencia. Con todo el respeto que me merece James Brown, estas grabaciones son una buena oportunidad para que el apodo “The Hardest Man in Showbusiness” sea, por lo menos, compartido con el gran Otis.

Live at the Whiskey A Go Go
En Noviembre de 2016 salió a la luz esta caja de seis CD conteniendo las grabaciones completas de los siete conciertos realizados en esos días, todos los sets completos y en el orden que fueron tocados, incluyendo las charlas con el público entre tema y tema. La versión de Otis de “(I Can’t Get No) Satisfaction” es tocada diez (!) veces en toda la serie, Algunas otras canciones aparecen también con similar frecuencia (“I Can’t Turn You Loose", “Good to Me”), además de agregar covers de James Brown (“Papa’s Got a Brand New Bag”) y The Beatles (“A Hard Day’s Night”). Todo para complacer a su nueva audiencia. Algunos temas superan los seis minutos, Otis da a la banda el espacio para lucirse mientras el “trabaja” a la audiencia, y "Chained and bound" es una prueba de ello. Como condimento extra, podemos comprobar que el músico nunca hacía una versión igual a la otra. Estamos ante uno de los cantantes mas importantes de la historia capturado en vivo en su pleno apogeo. Escuchando estos conciertos, no puedo dejar de pensar en lo influyente que fue Sam Cooke para Redding. Su disco, "Live at the Harlem Square", también en vivo, es muy similar a este.


En estos conciertos, no lo acompaña Booker T & The Mg's, como solía pasar en las grabaciones, sino su banda de ruta, "The Otis Redding Revue", un grupo de diez músicos que tocaban con él en sus giras por el Sur. Cuenta a historia que cuando en Stax escucharon las cintas, decidieron que el resultado era demasiado crudo para ser editado. No solo su calidad de sonido era pobre, sino que objetaron que la banda a veces sonaba algo floja y los vientos desafinados en algunas ocasiones. Jim Stewart, fundador de Stax/Volt decidió archivar el disco. Recién en 1968, luego de la muerte de Otis Redding, cuando el público demandaba más de su música, salió una selección de estas canciones en un disco llamado “In Person at the Whisky A Go Go”. Me resulta difícil encontrar esas fallas, pero lo que fuera, pone el contexto perfecto para disfrutarlo como si estuvieras ahí. No son muchas las grabaciones de soul de esa época que podamos encontrar, y esta grabación representa un manifiesto muy importante para el género,

Robby Krieger, guitarrista de The Doors, dice “recuerdo estar justo enfrente del escenario el show completo. Nunca había escuchado a Otis Redding antes, y me vi sorprendido por la energía que manejaba en escena”. Otros músicos que estuvieron presentes en los shows fueron Bob Dylan, Van Morrison, Taj Mahal y Ry Cooder.

Finalmente Otis cruzó ese charco y llegó a esa audiencia rockera en forma masiva en el Monterey International Pop Festival, en el 67, esta vez si, acompañado por Booker T. & the M.G junto a los Memphis Horns, pero esa es otra historia. Live at the Whisky a Go Go es una herencia hermosa que nos queda del Rey del Soul. Y si, esta vez la palabra “esencial” es apropiada. Asi que, no lo dudes y escuchate esto!

Fuentes:
latimes
stax
popmatters
amazon

Músicos:
Otis Redding – vocals

James Young – guitar
Robert Holloway – tenor saxophone
Robert Pittman – tenor saxophone
Donald Henry – tenor saxophone
Sammy Coleman – trumpet
John Farris – trumpet
Clarence Johnson – trombone
Katie Webster - piano
Ralph Stewart – bass guitar
Elbert Woodson – drums