miércoles, 23 de diciembre de 2015

Lo mejor del 2015

Por primera vez en su corta vida, Escuchate Esto! elije, con total autoritarismo, los discos que mas nos han impactado en 2015. Aquí van:


Alguna vez escuchaste a Keith Richards tocar delta blues? En el track 1 de su nuevo disco lo hace y con eso solo merece integrar esta lista tan egoísta. Tiene 71 y sigue rockeando. Cómo no sonreír como lo hace desde la portada del disco? Se trata de un fuerte testamento de la música que el viejo Keith (y nosotros también) tanto ama: el rock & roll,el reggae, el country y el blues.



Fantastic Negrito es el descubrimiento contemporáneo mas fresco y original del que tengo recuerdo. Suena clásico pero muy moderno al mismo tiempo. Tanto su sonido como sus letras son puras vivencias en las calles de Oakland: honesto, salvaje, crudo. Un artista con una pasión genuina como hace muchos años no escuchaba. Su tema "
Lost in a Crowd" lo hizo ganar el Tiny Desk Concert y abrir muchas puertas para el. Con "An Honest man", llegó a la TV como tema principal de Hand of God, la serie de Amazon protagonizada por Ron Perlman.

A Don Was (productor del disco) le gustó tanto cómo sonaba Vintage Trouble en la sala de ensayo, que quiso replicar ese sonido en el disco. Entonces, recordó que una vez Sam Phillips (Si, Sam Phillips!) le dijo: "Yo no microfoneaba los instrumentos, microfoneaba la sala". Se consiguió unos RCA 44 y esa fue la clave de todo.  
El tema 1 del disco, Run like the river, un gospel capitaneado por una salvaje y distorsionada guitarra slide, los hace merecedores de integrar esta lista. Este es el primer disco de Rock en la historia del sello Blue Note. Por algo será...

Como nos tiene acostumbrados, Buddy Guy se despacha con un álbum muy poderoso. El disco es muy entretenido, tiene mucho groove, y esta muy bien producido, aparte de contar con invitados de alto vuelo: Doyle Bramhall II y Billy Gibbons en guitarras y Kim Wilson en armónica. Por último, Buddy Guy paga tributo a B.B. King y a su mentor y amigo, Muddy Waters.

2015 será por siempre "el año en que murió B.B. King". Vaya un recuerdo desde este humilde lugar cada vez que escuchemos nuestros tan amados los 12 compases. Feliz 2016 para todos, y que sea con mucha música!

martes, 15 de diciembre de 2015

Stevie Ray Vaughan & Double trouble - In Step - 1989

Todos buscamos un riff de guitarra asesino y “The House Is Rockin” lo tiene. Ese simple power chord que suena a Chuck Berry pasado por el filtro de Terminator, fue el sello del regreso de Stevie Ray Vaughan. El último disco de estudio del guitarrista texano con su banda, Double Trouble, se editó en 1985. Un año después, cuando se lanzó el disco en vivo "Live Alive", Vaughan estaba en la cresta de la ola, pero su vida era un infierno causado por las drogas y el alcohol. Stevie entró en rehabilitación, se tomó un año, y para 1989 estaba limpio y con un disco inigualable bajo el brazo. Esta entrada de Escuchate Esto! se la dedicamos a "In Step", el último disco de estudio de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble.

El nuevo sonido de SRV en "In Step" suena mucho mas furioso que antes. El disco mezcla algunos viejo clásicos, con nuevas composiciones que hablan de su lucha contra las adicciones. "The House is Rockin", el tema 1 del CD, explotó como nunca antes lo había hecho ningún tema de Vaughan. En la escucha general del disco se aprecia mas R&B/soul/rock que blues. Algunos de esos temas son “Crossfire”, con un solo inigualable, "Wall of Denial" y “Tightrope”, donde el groove onda James Brown se encuentra con Albert King. Pero también los grandes momentos del álbum  son aquellos en los que revisa clásicos del blues: ‘Let Me Love You’ (Willie Dixon), ‘Leave My Girl Alone’ (Buddy Guy), y ‘Love Me Darlin’’ (Howlin’ Wolf). ‘In Step’ también triunfa en la consistencia sonora de la banda, que la completa, el bajista Tommy Shannon, el baterista Chris Layton, y el tecladista Reese Wynans.


Stevie Ray Vaughan es sin dudas el gran responsable del renacer del blues en la década del 80, y que muchos de los viejos bluesmen, como Albert Collins, Albert King o Buddy Guy, pudieran trabajar con la frecuencia merecida. Stevie Ray contó con la colaboración de Doyle Bramhall en la composición en algunos de los pasajes mas rockeros del disco, el mencionado ‘The House is Rockin’’ y  ‘Scratch-N-Sniff.’ El cierre del "in Step" está a cargo del hermoso instrumental de 9 minutos con aires de jazz ‘Riviera Paradise’. Un sonido limpio de Stratocaster, un poco de Kenny Burrell (aquel guitarrista de jazz que fue una gran influencia para SRV) y un piano eléctrico inolvidable. "In Step" suele ser mencionado como el mejor disco de estudio de Stevie Ray Vaughan, y es prpbable que eso sea cierto. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!https://www.youtube.com/watch?v=a01eEBe9J7I



 

Fuentes:

ultimateclassicrock.com
guitarplayer
guitarworld


lunes, 23 de noviembre de 2015

Los 5 discos esenciales de guitarra de Nalle Colt

Extraido de www.classicrock.teamrock.com 
Traducido por TonySoulman 

El guitarrista de Vintage Trouble elige 5 albums de guitarra que lo marcaron.




Nalle Colt, el guitarrista de la explosiva banda de blues-rock Vintage Trouble, dejó su tierra natal en Suecia para perseguir su sueño musical en los Estados Unidos a los 21 años de edad. De hecho, estaba tan seguro de sus convicciones que se compro un pasaje de ida a Los Angeles. “Tantas ganas tenía de ser parte de la escena musical estadounidense,” dice. “No podía concretar nada en Suecia, pero cuando llegué a Los Angeles descubrí a toda esta gente que eran exactamente como yo. Querían estar en una banda y hacer que las cosas pasen. Me encantó eso.” Creciendo en Suecia, Colt se encontró virtualmente solo en su amor por el blues. Había un guitarrista local, sin embargo, Jan-Eric 'Fjellis' Fjellstrom, que tomó al joven Colt bajo su ala. “Fjellis era un guitarrista asombroso” recuerda Colt. “Lo iba a ver tocar y no podía creer lo bueno que era. Me dio una copia de Texas Flood y me ayudó en gran parte a entrar en contacto con música grandiosa. Mas que nadie, me inspiró a tocar la guitarra”

En su elección de 5 discos esenciales de guitarra, Colt encuentra cierto criterio que todos comparten, como grandes canciones (“no se puede ser simplemente un guitarrista virtuoso sin las canciones”), pero también un nivel de la comunicación a través del sonido. “Lo que también busco es a alguien que puede usar el sonido de su guitarra y convertirlo en algo único y personal,” explica. “Si podés mostrarme un lado de tu personalidad a través de tu sonido, esa es la clave. Se trata de traducir un sentimiento a través de tu instrumento, como lo puede hacer un cantante con su voz. Los grandes guitarristas saben de qué se trata.” Colt también nota que los guitarristas de la lista, hablan un lenguaje muy sofisticado a través de un abordaje que hacen parecer simple. "Amo a los guitarristas que pueden decir mas con menos, lo cual es mucho mas difícil de lo que parece,” dice. “Mis guitarristas favoritos usan sus limitaciones como una ventaja. Apenas empecé me di cuenta que nunca sería yo un guitarrista super técnico, pero decidí que usaría un par de notas para definir mi sello. Escucho a Hendrix, Page y Stevie Ray, y ellos podían decir todo lo que querían con una sola estrofa. Se trata de que el mensaje sea puro. No necesitas 20 pedales y todo tipo de cosas locas; si tenés una guitarra diciendo lo que vos querés decir, eso es suficiente. Encontrá tu particularidad y tu felicidad y usala.” 

The Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced (1967) 

“Este es el disco que me hizo querer tocar la guitarra. Tenía yo 11 años cuando lo escuché y no pude dormir tranquilo por un tiempo. Debía conseguir una guitarra. Debía intentar hacer lo que Jimi estaba haciendo. No había discusión al respecto – este disco me marcó el camino. Había algo sobre el sonido de las guitarras en temas como Hey Joe y The Wind Cries Mary – me hablaban de una forma que inmediatamente entendí. Hendrix podía sonar cósmico pero a la vez tan terrenal. Es como que tomó el blues y lo envió al espacio. Cómo  alguien podía tocar con tanto fuego pero luego darse vuelta y sonar tan hermoso? Simplemente me voló la cabeza. Me senté por días y semanas tratando de aprender sus yeites. Se convirtió en un patrón constante: on-off, dar vuelta el disco, empezar otra vez. Estaba enloqueciendo a mi mamá, me aprendí todos los riffs. Una de las cosas que realmente me enganchó era cómo Jimi podía tocar pequeñas melodías entre acordes. Descubrir eso fue como haber tomado un año de clases de guitarra. Uso esa clase de técnica hoy en día.

Stevie Ray Vaughan and Double Trouble – Texas Flood (1983) 


“Creciendo en Suecia era difícil para mi conseguir buena música. Un día mi amigo Fjellis me trajo un disco y me dijo: Tenés que escuchar esto! Era Texas Flood. Lo pusimos y lo miré con cara de "A la mierda! Este tipo es increíble!" Ese tipo de cosas no pasan todo el tiempo, pero cuando pasan, es especial. “Me trajo todo lo que amaba de Jimi Hendrix. De repente, había un tipo joven haciendo lo que Hendrix había hecho, y llevándolo un paso mas allá. Luego de haber escuchado Texas Flood, buceé en el mundo de Stevie Ray Vaughan. Compré todos sus albums, y lo estudié por completo. Desearía haberlo visto en vivo, aunque he visto todos los DVD. Su aparición en Austin City Limits fue mágica. Nuestra banda tocó ahí hace un par de semanas, y lo único que pensaba era ‘Stevie estuvo aquí.’” 

Albert King – King of the Blues Guitar (1969) 

“Siendo un fanático de Stevie Ray Vaughan, leí todas sus entrevistas. Se la pasaba hablando de su héroe, Albert King, entonces eso me hizo investigar. Entonces me conseguí King of the Blues Guitar y quedé totalmente noqueado. Su actitud en la interpretación me desbordó. Esta completamente fuera de control. Descubrí de dónde había sacado todo Stevie Ray; el parecía ser una mezcla de Albert King y Jimi Hendrix. Una vez que entré en Albert King, empecé realmente a unir todo. Su música me atravesó con tanta seguridad, eso la hacía sonar tan expresiva. Nada había que se contuviera o fuera para atrás, no había filtro entre Albert y su pureza. Es siempre interesante escuchar a los pioneros. Simplemente parecen decirte "esto es lo que soy!". Si alguien quiere escuchar la mas cruda y auténtica guitarra de blues, el tipo que enseño a tantos de los grandes, entonces escuchen King of the Blues Guitar. Es un viaje.” 

Led Zeppelin – The Song Remains the Same (1976) 

Amo Physical Graffiti y Led Zeppelin II y todos sus discos, pero hay algo especial en escuchar a Zeppelin en vivo. Tenían una fuerza propia. No es que simplemente tocaban, ellos explotaban. Para mi, este es el mejor Jimmy Page. Lo que Page podía hacer con una Les Paul en un Marshall... que sonido! The Rain Song, Stairway to Heaven, Since I’ve Been Loving You – mi Dios, estamos hablando de hermosas interpretaciones de guitarra. Me encanta también que sea un poco desprolijo por momentos -ya sabes, es en vivo. Hay tantas bandas que pueden hacer buenos discos, pero no rinden en vivo. Zeppelin hacía discos increíbles, pero siempre los podía llevar a los conciertos. Lo que me gusta es ese espíritu que trae la interpretación de Page. La gente dice que es medio desproilijo, y a quién le importa? Yo también soy desprolijo. No necesito escuchar la perfección. Quiero escuchar actitud y emoción,y eso es lo que me queda de Page, especialmente en vivo. Jimmy se ha convertido en una gran influencia para mi, mas ahora que nunca antes.

Al Di Meola, John McLaughlin and Paco de Lucia – Friday Night in San Francisco (1981) 


Amo el blues y el rock n roll, pero este disco me habla en un lenguaje completamente diferente. Cuando era un niño , un amigo  me dio una copia y me hechizo inmediatamente. No es mi forma de tocar la guitarra pero puedo apreciar la maestría en el instrumento de cada uno de los tres. La música flamenca siempre me ha intrigado y el fuego y la pasión que estos tipos le ponen es muy inspirador. Su técnica esta fuera de mi control pero lo que realmente amo de este disco es la forma en que se comunican ente ellos. no es que estén tirando yeites o haciendo trucos; están conversando ente ellos y con el público. Si sos un guitarrista eléctrico, tal vez quieras chequear lo que estos tres tipos pueden hacer con acústicas. Tu mandíbula puede caerse al piso como pasó con la mía cuando los escuché. Y todavía me sigue sorprendiendo. Hay música aquí que no llego a entender, pero la siento y eso es lo que cuenta.”

fuente:
http://classicrock.teamrock.com/features/2015-11-03/nalle-colt-s-5-essential-guitar-albums

jueves, 12 de noviembre de 2015

Pappo's Blues - Volumen 1 - 1971

A menudo hago el ejercicio de elegir un músico consagrado y revisar su primer disco. En este caso, lo hice con Pappo y "Volumen 1", y el resultado fue asombroso. El álbum es mucho mas que el debut solista de Norberto Napolitano; se trata de la semilla del rock duro en argentina. Los invito a escucharlo y descubrir una de las joyas del rock en nuestro país.
Para 1970, el Carpo ya había grabado "Rock de la mujer perdida" de Los Gatos, y había pasado fugazmente por Los Abuelos y Conexión #5. El productor Jorge Alvarez, dueño del sello Mandioca, ya vislumbraba en el una carrera solista. "Cuando preparábamos el lanzamiento de Manal en el Nuevo Teatro -cuenta Alvarez en el reverso de Volumen 1, "Pappo asistía a los ensayos. En los descansos, se colgaba su guitarra y las paredes se caían. Luego fue a Mar del Plata; durante 15 días Manal fue un cuarteto. Norberto ya un monstruo de la improvisación que nos hacía vibrar. Entonces empezó nuestra persecución para que Pappo fuera Pappo." 

David Lebon, recién llegado de los EE.UU., vió por primera vez al Carpo en aquellos conciertos de Manal. Lebon se quedo conmovido y rápidamente se unió a Pappo como bajista de su trío. Sumado Black Amaya en batería, en el verano del 71 grabaron el primer disco de Pappo`s blues en el estudio Phonal, dotado únicamente de una mesa de 4 canales. En un ambiente de zapada y un volumen ensordecedor, el Carpo tocó todo el disco con una Strato blanca, Black utilizó una batería sin marca con un redoblante roto y Lebon, además de tocar el bajo en todos los temas, grabó la batería en "El Viejo". La producción estuvo a cargo de Billy Bond.


El álbum abre con "Algo ha cambiado", un riff intenso con un wah wah salvaje. Se escucha una ineludible impronta Black Sabbath y un oscuro Hendrix. El bajo y la guitarra van en bloque y crean una fuerza demoledora. En "Hansen" podemos encontrar parte del ADN de Divididos y de La Renga. Un error en el diseño gráfico hizo que el tema "Gris y Amarillo" saliera publicado bajo el titulo "Hansen" y viceversa. La confusión fue corregida recién en el año 2000. Si bien algunas cosas de Vox Dei o La Pesada se podían acercar a lo que hacía Pappo, nadie había grabado un disco tan pesado en nuestro país gasta entonces. 

El registro del disco fue hecho con el trío tocando en vivo las bases de los temas, sin muchos efectos. "Los primeros que se engancharon con la banda fueron los pibes que ya tenían los discos de Black Sabbath", explica Lebon. Jimi Hendrix, Cream, Mick Taylor, Peter Green, esas eran las referencias para la música de Pappo. Que decir de "El hombre suburbano"?. Con una letra que es un fiel reflejo de su tiempo, el tema se volvió ineludible en cualquier zapada de rock o de blues en Argentina. El bajo de Lebon es una clínica de walking bass en si misma.

En el medio, hay tiempo para "Adios Willy", una zapada soul instrumental con piano que dura menos de 2 minutos. El disco cierra con "Adonde está la libertad", uno de los pocos temas que podríamos relacionar con eso que se llama "rock nacional". Moris podría haberla grabado tranquilamente. Frases como "nunca la hemos pasado tan mal", "es imposible aguantar"  o "escapar de toda esta locura intelectual" , suenan muy fuertes siendo cantadas en pleno gobierno del dictador Onganía. El final del track es una zapada larguísima liderada por el bajo, con aires a "First rays of the new rising sun" de Hendrix que luego muta en rythm & blues tradicional y se lo tienen que llevar por fade.

Meses después de editado el disco, Pappo hace un viaje a Europa. Estando en Inglaterra, recibe un telegrama de Jorge Alvarez: "Pappo's blues No1 en Argentina. Teatro Metro. Tres Fechas". Pappo todavía no había cumplido 22 años y ya volvía al país como un héroe de la guitarra, disco de oro y shows para 2 mil personas. Alvarez cierra su mensaje en la contratapa del disco: "Decir Gracias Pappo, es ser absolutamente convencional, pero, ¿hay alguna palabra menos usada que signifique tanto y que sea tan precisa? Creo que no. Por lo tanto Gracias Pappo de nuevo." No lo dudes y escuchate esto!




Texto completo de Jorge Álvarez que aparece en la contratapa de este disco 


Fuentes:
Revista Rolling Stone

www.elsitiodepappo.com.ar


Black, Pappo y Lebon en la puerta del Teatro Metro

1.Algo ha cambiado
2.El viejo
3.Hansen
4.Gris y amarillo
5.Adios Willy
6.El hombre suburbano
7.Especies
8.Adónde está la libertad

Pappo Guitarra, Piano y voz
David Lebon
(aka Davies)
Bajo
Black Amaya Batería
Todos los temas fueron compuestos por Pappo.
Producción: Jorge Álvarez - Pedro Santiago Pujó
Manager de grabación: Billy Bond
Técnicos: Norberto Orliac - Héctor Fogerty
Cámaras EMT
Grabado en la Argentina, entre Diciembre de 1970 y Enero de 1971.

jueves, 22 de octubre de 2015

Ray Charles - Modern Sounds in Country & Western Music, Vol 1 & 2 - 1962


En 1962, en pleno auge de la lucha por los derechos civiles, un prominente artista negro se propuso editar un disco de standards de Country y Western pasados por el filtro del Soul, Gospel, Blues y  Jazz. La parte mas extraña de esta historia es que un sello discográfico líder estuvo dispuesto a editarlo. Esta entrada de Escuchate Esto! se la dedicamos a la obra cumbre de Ray Charles: Modern Sounds in Country & Western Music, vol. 1 & 2.




Este disco es mucho mas que simplemente el abordaje de Ray Charles al formato country. No se trata del simple acto de grabar covers de Hank Williams. Hay una cadena de influencias que se unen, cuyo brillante resultado final es una verdadera piedra fundamental no solo para la música negra, sino para la música pop en general. Y estamos hablando de un tiempo en que los sellos discográficos todavía ponían fotos de blancos en las tapas de los discos de los artistas negros.


En Modern Sounds in Country and Western Music hay lugar tanto para los tempos acelerados y swing asesino como “Bye Bye Love” o “Hey Good Lookin”, como para baldas downbeat “You Win Again” o “Born to Lose”,  saturadas de cuerdas y coros. El abrumador éxito comercial del disco se consiguió en parte gracias a ese sonido que hoy puede sonar empalagoso por momentos, pero que en la época era lo que se escuchaba. Con o sin cuerdas, las interpretaciones de Ray Charles son asombrosas. Siempre que le sea posible, Ray no duda en poner un poco de jazz, un poco de swing. Y por suerte, eso pasa con frecuencia en el disco. Escuchen “It Makes No Difference Now” por cualquiera de aquellos country crooners, y luego escuchen la de Ray. "I Can't Stop Loving You" y "You Don't Know Me" se convirtieron es temas obligados para Ray en cada concierto suyo.

Con esta obra, Ray no solo se consagró como músico e intérprete talentoso, también se recibió de consumado hombre de negocios. Su gran logro fue negociar sus propias cintas masters con ABC Paramount en una época en que las grandes compañías de discos exprimían a los artistas de manera alevosa.


Modern Sounds ... fue uno de los discos mejor vendidos de '62, generando tal impacto que pronto se le encargó a Ray una secuela. El volumen 2 fue editado en el mismo año y sigue la misma fórmula. El abordaje soul en el volumen 2 de "You Are My Sunshine," deja muy pocas huellas en la original de los años 20 pero es una reinterpretación única. El Country había perdido mucho terreno frente al Rock and Roll desde mediados de los 50, pero, ¿Alguien hubiera imaginado que sería un negro el responsable del resurgimiento del género en los Estados Unidos? La influencia de estos discos es muy profunda. Esta obra unió cada esquina del negocio de la música en un solo paquete y convirtió a Ray Charles en una estrella consagrada y popular para todos los públicos.

Luego de la muerte de Ray en 2004, un cronista de la revista Rolling Stone escribió, "Ray Charles hizo natural para la gente negra cantar country y western music. Ese simple hecho fue tan valido para derribar las barreras raciales, como lo hizo todo el movimiento por los derechos civiles." Así que, no lo dudes y Escuchate Esto!





Fuentes:
www.amazon.com
www.popmatters.com
www.allmusic.com

Ambos discos fueron producidos por Ray Charles y Sid Feller

VOLUMEN 1


Bye bye Love
You don't know me
Half as much
I love you so much it hurts
Just a little lovin'
Born to loose
Worried mind 
It makes no difference now
You win again
Careless Love
I can't stop loving you
Hey, good lookin'

Bonus Tracks: 

You are my sunshine
Here we go again
That lucky old sun

VOLUMEN 2

You are my sunshine
No letter today
Someday
Don't tell me your troubles
Midnigth
Oh, lonesome me
Take this chains from my heart
Your cheating heart
I'll never stand in your way
Making beleive
Teardrops in my heart
Hang your head in shame

miércoles, 7 de octubre de 2015

Los Negros Blancos: Led Zeppelin y el blues

No conozco un fanático del blues y del rock clásico que no ame a Led Zeppelin. Bah, en realidad conozco una persona, pero esa historia es larga. No hay mucho que decir de Zep que no se haya dicho antes. John Bonham, el baterista que tocaba extremadamente fuerte (a los palillos que usaba le decían "árboles") pero con mucho groove; John Paul Jones, bajo y organo, creador de muchos de los riffs mas memorables de la banda; y Jimmy Page, el guitarrista que hizo explotar los recursos de la Gibson Les Paul como nadie lo había hecho antes. Delante de ellos 3, se paraba Robert Plant, un rubio de pelo largo con camisa abierta y pelo en pecho que aullaba como una negra. Zeppelin cambió el sonido del blues rock e influyó como nadie en las sucesivas generaciones. Pero detrás de esta leyenda, hay antecedentes de robos (blanqueados y no blanqueados) a muchos interpretes del blues americano. Como escribió algún forista en youtube, Led Zeppelin era como "el estudiante brillante que se tira a vago". En esta entrada de Escuchate Esto! vamos a desenmascarar a Zeppelin y de paso, escuchar las versiones originales de los negros que tanto amamos en este blog.

Robert Plant (al igual que Mick Jagger algunos años antes) había sido parte de la escuela de blues de Alexis Korner, un personaje clave en la escena del blues londinense. Plant tenia un gusto especial por los cantantes de country y blues estadounidenses como Skip James, Bukka White y Memphis Minnie. Jimmy Page, por su parte, había sido ladero de Eric Clapton en los Yarbirds y un guitarrista de sesión con mucho trabajo durante los sesenta en Inglaterra. Al desmembrarse Los Yarbirds, Page no bajó los brazos y reclutó a Jones, Bonham y Plant para formar lo que el llamó The New Yarbirds. Como casi todos los rockeros británicos de la época, los integrantes de LZ se habían formado escuchando blues y rock & roll clásico, fundamentalmente de material salido de Chess Records de Chicago. "Train kept a' rollin" de Johnny Burnette, fue el primer tema que hicieron en la sala de ensayo. Según Page, los cuatro hicieron conexión inmediata, y eso fue gracias al blues. Giraron brevemente por Escandinavia, y a la vuelta, desecharon la idea ser los nuevos Yarbirds y se renombraron "Led Zeppelin", basados en algún comentario de Keith Moon. Contada esta breve historia, podemos pasar a las canciones.



 


Led Zeppelin - Train Kept A Rollin, en vivo en 196. El inicio.



Johnny Burnette - Train Kept A Rollin'. La original, puro Rockabilly
.

 
Led Zeppelin - I can't quit you baby. Blues muy lento.
Otis Rush: I cant quit you baby. Blues muy elegante.


Led Zeppelin - You shook me. Gran trabajo de Page en slide guitar. Cualquier semejanza con "Siempre es lo mismo nena", de Pappo, no es coincidencia.



Muddy Waters - You shook me


Led Zeppelin - Whole lotta love. Los dos anteriores, son covers. Este, en cambio, es su robo mas célebre. Willie Dixon pensó que este tema de Zeppelin de 1969 era una copia de "You need love", de su autoría. Evidentemente no fue el único que pensó eso, pues le ganó la demanda a la banda y los ingleses le tuvieron que pagar. 



Muddy Waters - You need love, compuesta por Willie Dixon, que se rie.

Led Zeppelin - Black dog. En 1971 John Paul Jones no se podía sacar de la cabeza "Smokestack Lightnin" de Howlin Wolf. Eso lo "inspiró" a crear uno de sus riffs fundamentales.

Howlin Wolf - Smokestack Lightning.


Led Zeppelin - When the levee breaks. En 1971, Zeppelin se convierte en una banda de blues que se pega un mal viaje, con letras tomadas de Memphis Minnie. La batería está grabada en una escalera. "La acústica era tan buena que ni si quiera tuvimos que ponerle micrófono al bombo", recordó alguna vez Jimmy Page. La armónica distorsionada es Chicago al 100%.



Kansas Joe McCoy and Memphis Minnie - When the Levee Breaks. Oro puro grabado en 1927
!

Led Zeppelin - Dazed and confused. Blues psicodélico en su máxima expresión. Cosecha '69, cover de Jake Holmes..


Jake Holmes - Dazed and Confused. El rubio Jake holmes escribió este folk blues en 1967. Se dice que ese año Holmes abrió un show para The Yardbirds en New York y fue ahí donde Jimmy Page escuchó la canción. El timbre de voz de Holmes es asombrosamente parecido al de Plant.


Led Zeppelin - Nobody's Fault But Mine. Cuánto groove podía llegar a tener John Bonham? Acá esta la respuesta: MUCHO!


Blind Willie Johnson - Nobody's Fault But Mine. Cómo es eso de que el blues es la música del demonio?



Led Zeppelin - In my time of dying. Mucho slide!



Blind Willie Johnson - In My Time Of Dying / Jesus Make Up My Dying Be. Otra vez el cieguito Willie Johnson. También hay versiones gospel de este tema

Led Zeppelin - Moby Dick. Si bien Moby Dick paso a la historia por ser básicamente un solo de batería, su riff altamente blusero esta robado de "The girl I love she got long curly hair" de Sleepy John Estes


Led Zeppelin - Long Brown Wavy Hair
Sleepy John Estes - The girl I love she got long curly hair

Led Zeppelin - Traveling riverside blues. Grabada en 1973 en una sesión para la BBC, esta interpretación improvisada del tema de Robert Johnson es uno de los momentos mas sueltos de la banda. Y si. Hay mucho slide también por acá.


Robert Johnson - Traveling riverside blues.


Led Zeppelin - How many more times. El titulo y la letra contienen irrefutables referencias a la versión de Howlin Wolf de 1951, titulada "How many more years" 


 


Howlin Wolf - How many more years

Led Zeppelin  - Bring it on home.


 

Sonny Boy Williamson II - Bring it on home. No confundir con la de Sam Cooke.
Led Zeppelin - The lemon song. Una vez mas, Zep se "inspiró" en Howlin Wolf. El tema fue Killing floor. A medida que la banda iba tocando el tema en vivo durante su gira norteamericana, Plant iba cambiando la letra hasta llegar a la versión que finalmente grabaron para Led Zeppelin II. También se incorpora la picante frase "squeeze my lemon till the juice runs down my leg", de Travelin Riverside Blues de Robert Johnson. A su vez, Johnson la había "tomado prestada" de una canción de 1937 llamada "She Squeezed My Lemon" de Arthur McKay... Ladrón que roba a ladrón... En 1972, Arc Music, dueño de los derechos de las canciones de Howlin Wolf, demandó a Led Zeppelin por este tema. Las partes llegaron a un acuerdo y Wolf se llevó un cheque por 45 mil dólares, mas su inclusión como co-autor del tema en las sucesivas ediciones del disco.



Howlin wolf - Killing flor. Este tema era uno de los favoritos de Jimi Hendrix y está en varias de sus ediciones póstumas. Se ríe Wolf.


Led Zeppelin - We're gonna groove. Primero fue Manfred Mann quien reversionó la original de Ben E. King, "Groovin'". Luego Led Zeppelin metió ambas versiones en su licuadora y salió esto


Ben E. King - Groovin'.


Manfred Mann - We're gonna groove


Led Zeppelin - Key to the highway / Trouble in mind.


Big Bill Broonzy - Key to the Highway.



Sister Rosertta Tharpe - Trouble in mind.

Importante: los videos con temas de Led Zeppelin son eliminados y reemplazados con mucha rapidez en Youtube. Si no está alguno que querés escuchar, buscalo y rápidamente lo encontrarás.

Fuentes:
www.allmusic.com
sdrocknroll.com
www.allmusic.comwww.warr.org
Revista Rolling Stone
Youtube.com
Wikipedia

lunes, 7 de septiembre de 2015

Stax Rercords por sibarismusic.blogspot.com.ar

En Escuchate Esto! insistimos permanentemente en la importancia que tuvo para el desarrollo del soul el sello Stax de Memphis y músicos como Steve Cropper, Booker T. Jones, Otis Redding e Isaac Hayes, por solo nombrar unos pocos. El blog Sibarismusic postea dos entradas supercompletas sobre el nacimiento, desarrollo y caída de Stax Records, llenos de nombres, canciones, y momentos importantes. Vale la pena.

Parte 1
Parte 2

miércoles, 19 de agosto de 2015

Lightning In A Bottle - 2004

Si el blues fuese una persona ¿Cómo festejaría su cumpleaños número 100? Tal vez la elección de Antoine Fuqua y Martin Scorsese sea la mejor: las mas grandes estrellas vivas del género reunidas en un concierto memorable: B.B. King, Buddy Guy, Dr. John, Ruth Brown, Hubert Sumlin, solo para empezar. Fuqua y Scorsese se encargaron de que el concierto realizado en New York el 7 de febrero de 2003 se convierta en una película y la llamaron "Lightning In A Bottle". El cumple número 100 del blues bien merece una entrada en Escuchate Esto!



Hubert Sumlin
"En el viaje de estos artistas en este concierto, podes ver la música como lo que realmente es: un mapa hacia el alma humana" dicen los productores. El resultado, es uno de las mas dinámicas, emocionantes y entretenidas películas de conciertos jamas hechas. "Ligthning in a bottle" es mucho más que filmación de un concierto; es una biografía audiovisual de la tradición blusera americana. "Tocas una nota y estás atrapado. Eso es el blues" dice Steve Jordan, baterista y director musical del proyecto. El evento se desarrolla contando la vida del blues en forma cronológica, desde su prehistoria en Africa, y tocando muchos de los pilares fundamentales en su evolución. El film ilustra claramente cómo una simple forma musical de 12 compases y 3 acordes ha podido evolucionar tanto. A medida que avanza la cronología, el blues se fusiona con jazz, funk, rock, soul, incluso hip-hop, con Chuck D convirtiendo "Boom Boom" de John Lee Hooker en un himno pacifista. El espíritu del blues puede ser encontrado en cualquier lugar. Incluso, en el corazón de New York.

Buddy Guy
La banda estable del show es un verdadero All-Stars con varios años de experiencia. Dirigidos musicalmente por el baterista y productor Steve Jordan, junto a Levon Helm (ex The Band); los teclados a cargo de Ivan Neville y la leyenda de New Orleans Dr. John; Kim Wilson de los Fabulous Thunderbirds en armónica, Danny Kortchmar, Willie Weeks y Keb’ Mo’ en guitarras y Larry Taylor en contrabajo. También los Beale Street Horns (Andrew Love, Ben Cauley, Jack Hale y Jim Horn) mas Vanisse Thomas, Curtis King y Babi Floyd en los coros.

“Mejor tarde que nunca !” exclama Ruth Brown cuando llega al ensayo luego de un infarto reciente. Solo por esta y algunas otras perlitas que se suceden en el backstage, ya vale la pena ver el film. Fuqua se las arregla para presentar casi todas las canciones con un contexto histórico dramático. Esto da a las letras y a la música una resonancia mas profunda. “La mayoría de los films de conciertos son brillantes y sobreiluminados " dice el director. “No podés hacer un concierto de blues de esa forma, necesitás un clima. Yo busqué convertir el Radio City Music Hall en un lugar oscuro, sombrío, que te te hiciera sentir que estabas en un juke joint del Sur. Al blues tenés que sentirlo, y verlo, no solo escucharlo".
"Jim Crow Blues", por Odetta es muy difìcil de superar. Buddy Guy y Vernon Reid nos muestran la conexión entre Muddy Waters y Jimi Hendrix. Hubert Sumlin tiene el reconocimiento que merece haciendo "Killin´floor".  Solomon Burke nos acerca al soul y al gospel. B.B. King habla de una época en que el blues no era tan popular como lo es hoy. "Ser negro y tocar blues... era como ser dos veces negro" recuerda con tristeza. A continuación, se pone al hombro el final de la fiesta haciendo "Sweet Sixteen" y "Paying the cost to be the boss", zapando con Robert Cray y Bonnie Raitt. Luego de la serie de documentales The Blues, esta es la culminación para Scorsese de su epopeya para difundir esta música y preservar su legado, honrar y celebrar la música que tanto ama. Así que no lo dudes, y Escuchate Esto!



Fuentes:
www.avclub.com
www.nytimes.com


La música (incluye archivo, ensayo, y el show en vivo)

“First Time I Met The Blues” - Buddy Guy
“Zélié” - Angélique Kidjo
“See That My Grave is Kept Clean” - Mavis Staples
“Gamblin’ Man” - “Honeyboy”Edwards
“Love in Vain” -Keb’ Mo’ 
“Jim Crow Blues” - Odetta
“St. Louis Blues” - W.C. Handy

“St. Louis Blues” - Natalie Cole
“Death Letter Blues” - Son House“Sittin’ On Top of the World” - James “Blood” Ulmer and Alison Krauss
“Mama (He Treats Your Daughter Mean)” - Ruth Brown
“Men Are Like Streetcars” -
Ruth Brown, Natalie Cole, and Mavis Staples
“Satisfied” -
Florence Stamp “Can’t Be Satisfied” - Buddy Guy
“Strange Fruit” - India.Arie

“Hound Dog” -Macy Gray
“Johnson! Where Did You Get That Sound?” - Larry Johnson
“Hear the Angels Singing” - Larry Johnson
“Long John” - Lightning And Group
“Midnight Special” - Leadbelly
“Midnight Special” - John Fogerty

“Okie Dokie Stomp” - Clarence “Gatemouth” Brown
“Chicago Bound” - Jimmy Rogers

“Coming Home” -Bonnie Raitt
“I'm a King Bee” - Steven Tyler and Joe Perry
“Dust My Broom” - Howlin’ Wolf“Killin' Floor” - David Johansen and Hubert Sumlin
“Something’s Got A Hold On Me” - Shemekia Copeland
“I Pity the Fool” - Shemekia Copeland and Robert Cray
“Big Chief” - The Neville Brothers“Turn On Your Love Light” - Solomon Burke
“Down in the Valley” - Solomon Burke
“She’s Nineteen Years” -Muddy Waters“Stormy Monday Blues” - Buddy Guy
“Red House” - Buddy Guy
“Voodoo Child (Slight Return)” - Angélique Kidjo and Buddy Guy

“Boom, Boom” - John Lee Hooker“Boom, Boom” - Chuck D and The Fine Arts Militia
“Sweet Sixteen” - B.B. King
“Minnesota Blues” - Mos Def
“Paying the Cost to be the Boss” - B.B. King, Bonnie Raitt and Robert Cray