viernes, 16 de febrero de 2018

Muddy Waters - At Newport, 1960

El concierto de Muddy Waters en Newport y su posterior edición, han significado, como tantas otras actuaciones en vivo repasadas en este blog, un antes y un después. El disco nos muestra al rey del Blues de Chicago en pleno apogeo, gritando su música por encima de una banda descomunal que incluía a Otis Spann y y liderada por el gigante de la armónica James Cotton. El film del concierto muestra la energía de Muddy y su banda haciendo temas como "Hoochie Coochie Man", "I Feel So Good" y uno de los primero clásicos del blues eléctrico: "Got My Mojo Working." Estamos ante un documento fílmico y sonoro de una época en la que Waters y el blues de Chicago intentaban llegar a un público masivo en los Estados unidos. Esto ya se había logrado en parte en Europa, pero en su propio país llegar a una audiencia blanca era una deuda pendiente. Finalmente lo lograría años después gracias a la llegada de esos flacuchos ingleses, The Rolling Stones, pero esa es otra historia.

En 1960 una multitud de aproximadamente 12 mil jóvenes sin tickets invadió literalmente la ciudad de Newport, en Rhode Island e intentó irrumpir en el predio del Newport Jazz Festival. Muchos alcoholizados se enfrentaron con la policía y la guardia nacional. Ray Charles, Horace Silver y otros, estaban tocando, mientras 200 policías intentaban evitar que la multitud invadiera el predio. Al día siguiente, Waters y su banda no pudieron ni siquiera acercarse al lugar y en el medio del camino debieron dar la vuelta y volver a la ciudad porque era imposible llegar. La jornada estuvo a punto de cancelarse pero dada la importancia cultural del festival, el promotor George Wein convenció al alcalde de la ciudad para continuar.



Llamativamente en la foto de portada del álbum se lo ve a Muddy con una guitarra semi acústica. Para esta imagen, Waters decidió dejar de lado su Telecaster y posar con la guitarra de John Lee Hooker, quien también participó del Festival. El autor de la foto es de Burt Goldblatt.

La performance de la banda es poderosa y para el final del show, toda la audiencia estaba bailando. El chico vergonzoso que había grabado Alan Lomax menos de 20 años antes, explota como estrella en este show. En esta oportunidad estamos ante uno de los primeros y mejores discos de blues grabados en vivo en la historia. No se pierdan al genio de Muddy Waters ("a la altura de Mozart" como lo considera Keith Richards), en su mejor momento. Así que … No lo dudes y escuchate Esto! 



Músicos

    Muddy Waters - guitar, vocals
    Otis Spann - piano, vocals
    Pat Hare - guitar
    James Cotton - harmonica
    Andrew Stephens - bass
    Francis Clay - drums

Lista de Temas

  1. I Got My Brand On You
  2. (I'm Your) Hoochie Coochie Man
  3. Baby, Please Don't Go
  4. Soon Forgotten
  5. Tiger In Your Tank
  6. I Feel So Good
  7. I've Got My Mojo Working
  8. I've Got My Mojo Working, Part 2
  9. Goodbye Newport Blues
  10. I Got My Brand On You
  11. Soon Forgotten
  12. Tiger In Your Tank
  13. Meanest Woman

viernes, 26 de enero de 2018

Tributo a Otis Redding - Apollo Theater, New York - 25/01/18

Anoche se celebró el evento "An Evening of Respect Celebrating Otis Redding" en el legendario teatro Apollo de New York. Además de homenajear al Rey del Soul, para mi se trató de una reafirmación de que el Soul sigue mas vivo que nunca. Ver en el escenario a los pioneros, Booker T Jones y Steve Cropper mezclándose con The Dap Kings y al frente, cantantes como Ty Taylor de Vintage Trouble, o Aloe Blac, es todo un manifiesto. 




Crónica de otisredding.com click aqui 

Crónica de Billboard click aqui

Pasaje de la crónica de jambase.com
El concierto empezó con un desfile a través de las butacas de la New Orleans Preservation Hall Jazz Band. Karla Redding, de la Otis Redding Foundation dio la bienvenida y Otis Redding III cantó “Knock On Wood.” Paul Janeway de St. Paul & The Broken Bones cantó “Down In The Valley” y “I’ve Been Loving You Too Long,” los guitarristas guitarists Warren Haynes y Marcus King tocaron “Satisfaction” y “I Can’t Turn You Loose” y Ty Taylor de Vintage Trouble cantó “These Arms Of Mine".

Michelle Williams y Steve Cropper
Luego, Michelle Williams trajo el clásico de Sam Cooke “A Change Is Gonna Come.” Aloe Blacc interpretó “Dreams To Remember” y “Respect.” El gran final fue con “(Sittin’ On) The Dock Of The Bay” en donde todos los músicos subieron al escenario. 
Fotos: Adam McCullough / Videos: Scott Gibson
Ver en YouTube
Ty Taylor
Lista de temas: Intro March, Amen, Karla Redding Intro, Knock On Wood, That’s How Strong My Love Is, Shake, Nobody’s Fault But Mine, Down In The Valley, I’ve Been Loving You Too Long, These Arms Of Mine, Satisfaction, I Can’t Turn You Loose, Pain In My Heart, My Girl, The Happy Song (Dum Dum), Cigarettes & Coffee, Green Onions, Hip Hug Her, Dreams To Remember, Respect, Try A Little Tenderness, (Sittin’ On) The Dock of the Bay


martes, 9 de enero de 2018

Otis Redding - (Stitting on the) Dock of the Bay - 50 Aniversario

Ayer, 8 de enero se cumplieron 50 años del lanzamiento de la canción perfecta: (Stitting on the) Dock of the Bay, interpretada por Otis Redding y compuesta por Redding y Steve Cropper. Comparto con ustedes el magnífico poster en conmemoración y los invito a que lean declaraciones de Steve Cropper acerca de la génesis de la canción, publicadas en este blog hace casi 5 años.




lunes, 8 de enero de 2018

Funky Drummer - Clyde Stubblefield - James Brown - 1970

“Los ha habido mas rápidos y mas salvajes, pero ningún baterista en todo el siglo 20 tuvo una mano izquierda como la de Clyde Stubblefield. El definió la música funk."
Ahmir Thompson, aka Questlove, baterista de The Roots

Como integrante de la banda de James Brown entre 1965 y 1970, Clyde Stubblefield grabó clásicos legendarios como "Cold Sweat", "Ain't It Funky Now", "I Got the Feelin'" y el ingualable “Sex Machine”. Sin embargo, se podría resumir el aporte de Stubblefield a la música popular en solo 20 segundos de batería, incluidos en el tema de 1970 “Funky Drummer” en donde sella su nombre a fuego. Ese beat sirvió, no solo como dice Questlove, para definir el funk, sino que también fue usado como sample en incontables tracks de hip hop, pop, r & B: "Fight the Power", "Bring the Noise"y "Rebel Without a Pause" de Public Enemy, "Fuck tha Police" de N.W.A. y otros de Dr. Dre, Run-D.M.C., Beastie Boys, Sinead O’Connor, Prince, George Michael. Según el sitio whosampled.com , Funky Drummer fue sampleado 1419 ocasiones. Aca tienen la lista.

Clyde Austin Stubblefield (1943 - 2017) fue un músico autodidacta que fue influido, según sus propias declaraciones, por los sonidos naturales a su alrededor "Escuchaba los trenes pasar, las lavadores de ropa, y ahí encontraba nuevos patrones de percusión, eso es lo que siempre hice y sigo haciendo. Pongo un patrón de batería a todo lo que escucho.” A principios de los 60, Clyde tocó con el guitarrista Eddie Kirkland y giró con Otis Redding, hasta que en 1965 se cruzó con James Brown. Comenzaba una nueva Era, una revolución sonora. La sección rítmica de la banda era llevada adelante por dos bateristas: Clyde Stubblefield y John "Jabo" Starks. Cada uno dio su toque distintivo. De acuerdo a Stubblefield, ellos tocaban lo que se les ocurría: "Nosotros creábamos los grooves, después se sumaba el bajo y James improvisaba letra, y los arreglos de vientos.”  Citamos nuevamente a Questlove, quien le dijo a la revista Rolling Stone: "Starks era mas limpio, mientras que la mano izquierda de Clyde era puro free jazz." Estamos ante un grupo de músicos que, si bien tocaban R&B y soul, hablaban un idioma completamente diferente en términos de ritmo. Todo lo que se tocaba, ya sea bajo, guitarra o instrumentos de viento, tenia una raíz percusiva y un pulso constante que no caía nunca. Ellos hacían de la jam session una parte fundamental de la composición. Si bien esto puede sonarnos bastante común hoy día, en aquellos años, tal vez no fuera tan usual.

En el caso de “Funky Drummer”, según Stubblefield, la experiencia no fue diferente, todo nació de una zapada. El tema no representó un gran hit para James Brown, pero fue parte importante en los shows en vivo. Aún con la importancia capital que tuvo el beat en “Funky Drummer”, Stubblefield no fue acreditado como compositor y por lo tanto, no recibió nada en concepto de regalías por esos samples. “No es que me molestara en particular, declaró al New York Times, simplemente lo considero irrespetuoso"


El primer disco solista de Stubblefield fue editado en 1997 y se llamó “La venganza del Funky Drummer”. En 2001, fue diagnosticado con cáncer de vejiga y en abril de 2016 sufrió una recaída por la que tuvo que ser internado y sometido a un quimioterapia. Su deuda hospitalaria ascendía a 90 mil dólares y Clyde no tenia cómo pagarla. Un día, su esposa Jody, recibe un llamado inesperado: gente allegada a Prince estaba en el teléfono y querían saber cuánto dinero necesitaba Stubblefield para cancelar su deuda. Acorde a su perfil, la única condición que pidió Prince para donar el dinero, fue que se realizara en el mas absoluto silencio y que la prensa no se enterase. Días después, Prince fallecía y a Stubblefield le pareció un buen homenaje hacia el artista de Minneapolis, difundir este gesto.

Como material adicional, diría yo imprescindible, pueden buscar en Netflix el documental "Mr. Dynamite, The Rise of James Brown", en el que se muestra a las claras la importancia que tuvieron James y su banda en la creaciòn del funk, y por supuesto, Funky Drummer tiene un capítulo aparte

Fuentes:
rollling stone
billboard
wikipedia
nytimes

Funky Drummer
Ain't That a Groove
Cold Sweat 
I Got The Feelin'
Say It Loud - I'm Black and I'm Proud
Give It Up Or Turnit A Loose
Mother Popcorn (You Got To Have A Mother For Me)
Ain't It Funky Now
Sex Machine
Get Up, Get Into It, Get Involved
There Was a Time
I got to move
Soul Power
Hot pants


viernes, 15 de diciembre de 2017

Blues & Boogie Vol. 1 - Kim Wilson - 2017

"Blues & Boogie Vol. 1" de Kim Wilson es un verdadero tributo al blues eléctrico de Memphis y Chicago, en donde la figura es el repertorio y el sonido. Por eso, son altamente positivos todos los condimentos que hacen a este disco: una producción que lo hace sonar impecablemente vintage, una banda bien solida sin grandes muestras de virtuosismo y un frontman (Kim Wilson en armónica y voz) que no se destaca mas de lo debido. Se logra así un álbum solido y correcto. Este album nos muestra a Kim tocando temas de sus artistas favoritos que lo han inspirado durante su carrera, no solo intérpretes de armónica, como Little Walter, Sonny Boy Williamson o James Cotton pero también leyendas del blues como Elmore James, John Lee Hooker, Jimmy Rogers, Big Maceo Merriweather, Lightnin' Hopkins y Magic Sam. 

El álbum suena espectacular, especialmente la armónica de Wilson (diatónica y cromática) que tiene un tono sorprendente, con la suciedad y distorsión perfectas. Como productor, Wilson realmente ha sabido obtener el sonido y el espíritu del blues de los '50. 

Kim Wilson es cantante, armonicista y es uno de los fundadores de The Fabulous Thunderbirds. En este disco comparte su amor y su pasión por el blues en 16 canciones, entre las que incluye 2 temas propios. El disco se grabó en vivo y en mono entre 2015 y2017. Barrelhouse Chuck, cuyo piano es una regocijo en cada tema en que suena y el baterista Richard Innes fallecieron antes de que el disco viera la luz. El resto de los músicos que grabaron con Wilson son los guitarristas Billy Flynn, Big John Atkinson, Nathan James y Bob Welsh; el bajista Larry Taylor (ex Canned Heat) y el baterista Marty Dotson. 

El disco arranca con "Bonus Boogie", un shuffle instrumental de Wilson en el estilo Little Walter, pero también hay otros instrumentales: "Teenage Beat" y "Edgier". "Ninety Nine" es una perfecta versión del tema de Sonny Boy Williamson con Barrelhouse Chuck haciendo maravillas en el piano y “From The Bottom” otra canción con mucho swing. "Worried Life Blues", el clásico Big Maceo, suena como si estuviera grabado en 1948. También se destaca "You Upset My Mind" de Jimmy Reed y “Searched All Over”, que recrea al gran Elmore James. 

A través de su pagina oficial, Wilson dedica este álbum a "mi hermano mayor, James Cotton quien siempre ha sido una gran inspiración y un amigo muy querido. Cada vez canto o toco mi instrumento, lo hago por ellos, por mis héroes del blues! Espero que disfruten escuchándolo tanto como yo disfrute haciéndolo!”

Si bien no es un disco que te vuela la peluca, cualquier amante del blues lo va a disfrutar, así que no lo dudes y Escuchate Esto!  

Fuentes:

Sello: Severn Records
Lista de Temas:

1. Bonus Boogie
2. No Love in My Heart
3. Ninety Nine
4. Worried Life Blues
5. You Upset My Mind
6. Teenage Beat
7. Same Old Blues
8. Searched All Over
9. From the Bottom
10. Look Whatcha Done
11. Blue and Lonesome
12. Sho Nuff I Do
13. Learn to Treat Me Right
14. Edgier
15. Mean Old Frisco
16. You’re the One

sábado, 2 de diciembre de 2017

The Rolling Stones - On Air - 2017



Hoy salió a la calle "On Air", un disco doble de The Rolling Stones que captura 32 temas grabados entre 1963 y 1965 por la banda mas grande del mundo en los estudios de la BBC de Londres para diferentes shows de radio y TV.  Hay versiones de Chuck Berry (Roll over Beethoven, Carol, Memphis Tenesee), de Tommy Tucker, “Hi-Heel Sneakers,” de Buster Brown “Fannie Mae,” de Hank Snow en la versión de Ray Charles’ “I’m Moving On,” de Bo Diddley “Cops and Robbers,” de Jay McShann  Confessin’ the Blues,” de Rufus Thomas “Walkin’ the Dog” y de Willie Dixon “I Just Want to Make love to you", entre otros.  La calidad de "On Air" varía considerablemente, algunos suenan mono, otros stereo, pero todo es crudo y potente, así sonaban los Rollin Stones en aquellos años. Las grabaciones ha sido procesadas en los estudios Abbey Road desde las cintas originales, por lo que han ganado en fidelidad.  The Rolling Stones se unen así a The Beatles, Led Zeppelin y The Who, entre otras bandas, que ya han editado sus viejas grabaciones para la BBC.
Compartimos algunas declaraciones de Keith Richards publicadas hoy en Los Angeles Times a propósito de "On Air" y aquellos años. 

“Estábamos intentando superar el terror de lo que era tocar en la BBC. Había mucha adrenalina, pero una vez que estás ahí tocando, listo. Eso pasa con los Stones desde hace 55 años, una vez que empiezan a tocar no les importa nada"
“La BBC nos quería en sus shows, no tengo idea porqué, tocábamos blues en bares por Dios! Pero bueno, llegamos al top 10 y de repente eramos la alternativa a los Beatles, benditos sean. Si, ellos abrieron las puertas."
"En aquel tiempo pensábamos que la BBC sabía lo que hacía, pero cuando llegábamos a los estudios nos dábamos cuenta de que no tenían idea de cómo grabar una banda como la nuestra"
“No teníamos idea qué estaban tomando los micrófonos y qué salía al aire. Solo era rezar y esperar que sonara lo mejor posible. Escuchándolo hoy día, creo que se capta el espíritu de la banda. "
"Me cuesta imaginar que la gente quiera escuchar estas grabaciones, me asombra que haya tanto interés"

viernes, 3 de noviembre de 2017

Soul Man - Sam and Dave - 1967

Comparto con ustedes algunos pasajes de dos notas que encontré sobre la importancia de Stax Records, Isaac Hayes, David Porter y “Soul Man”.

En 1967, en una desprolija operación financiera que involucró a Stax Records, Atlantic Records, y Warner, Stax perdió todo su catalogo, así como también el contrato de uno de sus principales números: El dúo Sam & Dave. A finales de ese año, Otis Redding fallece en un accidente de aviación. Estos dos eventos marcaron el fin de la era dorada de Stax Records y del soul sureño.  


David Porter estuvo en Stax desde el inicio. Las canciones country & western no se vendían, y los chicos del barrio gradualmente iban moviendo el foco de la compañía hacia un r&b mas urbano. Llegaron los éxitos, con el instrumental de los Mar-Keys’ “Last Night” y “Gee Whiz" de Carla Thomas. Porter era el primer compositor estable del sello. Isaac Hayes participaba como pianista en algunas sesiones, hasta que comenzaron a trabajar como dupla compositiva y todo empezó a funcionar. Empezaron en 1966 con un par de singles modestos para Johnny Taylor, pero su gran explosión fue con B-A-B-Y de Carla Thomas. Componían, trabajaban en cada etapa de la producción, decidían qué artista era mas apropiado para cada canción, producían la grabación, participaban de ella tocando, arreglando los vientos, incluso operando. Así se trabajaba en Stax. 

Trabajando en el Estudio
“Se trataba de la música, el mensaje, la melodía, cada uno de esos elementos trabajan a un nivel emocional –explica Hayes-. Lo llamo seducción subliminal, hacer que te enamores de la canción y todo lo que la canción te produce”. Isaac Hayes podía tocar cualquier instrumento y poseía una intuición de cómo todas las partes de una canción encastraban, cómo se construían los arreglos, y cómo hacer que los músicos obtuvieran los sonidos que estaban en su cabeza. A veces Porter se paraba al lado del micrófono y dirigía al cantante como si estuviera dirigiendo un coro. "Alguien podría decir que fuimos genios -explica-  pero no. Sabíamos lo que queríamos hacer y que lo conseguiríamos trabajando.”

SOUL MAN

Detroit 1967
Era el verano del 67 y Isaac Hayes estaba en Memphis viendo como Detroit ardía. Los noticieros reportaban incidentes masivos en la ciudad de los motores. 5 Días de violencia sin parar, 43 muertos, mas de 1200 heridos, mas de 7000 arrestos y cientos de edificios en la ciudad era quemados. Es considerado el evento mas violento que tuviera que ver con el movimiento de los derechos civiles, y también una fuerte prueba de que la tensión racial no se limitaba únicamente al Sur. Las noticias explicaban que los dueños negros de algunos locales de Detroit, escribían en sus vidrieras la palabra “SOUL” o “SOUL BROTHER” para que los manifestantes no rompieran sus tiendas. Así nació una de los mas grandes éxitos de r&b de la historia, basado en una palabra y en lo que ella representaba.


Escrita, ensayada, grabada, impresa y editada casi dos meses después de las revueltas de Detroit, “Soul Man” es una firme canción de Sam & Dave pero con la participación de casi todos en el sello,
músicos tanto negros como blancos, toda una rareza para 1967. El tema abre con la guitarra de Steve Cropper que con solo un par de notas, define el sonido del rock sureño que vendría en los setenta. Cuando la banda entra, la canción cambia a un groove poderoso, y el ataque igual de salvaje de la voz de Sam Moore. “Soul Man” fue un éxito en los charts por casi dos meses, fue el single mas exitoso que Stax había editado hasta la fecha, y aún permanece sólida como uno de los grandes clásicos del rock, una de esas canciones para las que no pasa el tiempo. David Porter dice, “Con ‘Soul Man,’ nuestro propósito fue motivar a la gente durante un momento difícil en nuestro país. Si realmente escuchás lo que la canción esta diciendo, es que cualquiera puede ser un Soul Man.” Estamos ante una declaración de principios, que define a Stax y a toda una generación de músicos, una canción que habla sobre cómo las canciones deben ser cantadas. 

Algunas de las mejores composiciones de Porter y Hayes nacieron trabajando para Sam & Dave, dándoles una cantidad de hits que posicionaron al dúo como uno de los actos mas poderosos de la época — no solo “Soul Man” y “When Something Is Wrong with My Baby” y "Hold on, I'm coming", también “You Got Me Hummin’,” “Said I Wasn’t Gonna Tell Nobody,” “I Thank You”,  “Wrap It Up” y “You Don’t Know Like I Know”. 

Luego del cambio de compañía en el 67, Porter y Hayes escribieron algunos hits mas para otros artistas, pero sin la relevancia esperada. Hasta que en 1969 Hayes grabó un álbum solista llamado "Hot Buttered Soul", un éxito masivo, como Stax nunca antes había visto ni hubiera podido predecir. Rápidamente Isaac Hayes se convirtió en una megaestrella, sex symbol, referente de la moda, ícono de la música negra a la altura de James Brown. Incluso ganó un Oscar por el tema de "Shaft" en 1972. David Porter también grabó un disco, pero fue opacado por "Hot Buttered Soul" y todo lo que trajo aparejado. Porter siguió en Stax, y a mediados de la década del 70, cuando llegó la tormenta económica y artística mas fuerte, puso dinero de su propio bolsillo para ayudar económicamente al sello. Aún así, Stax cerró sus puertas en 1976. 


Porter y Hayes en Stax
En 2003, abrió el Stax Museum of American Soul Music y en 2005, el Soulsville Charter School. Stax revivió como sello discográfico, y también como institución educativa. Existe también la MMT (Memphis Music Town), una organización que Porter fundó para dar igualdad de oportunidades educativas y musicales a los jóvenes de la ciudad. Isaac Hayes murió en 2008 y en agosto de este año se editó "The Spirit of Memphis (1962-1976)", una caja de 4 cds que sirve como una crónica musical de su carrera, que revisa desde su presencia fundacional en Stax, sus singles como solista, covers y algunas rarezas. Isaac Hayes es uno de los responsables de dar forma al sonido de la música que hoy escuchamos y es uno de los 20 artistas más sampleados de todos los tiempos. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Compartimos algunas playlist con lo mejor de Sam & Dave, y con la influencia del Espíritu de Memphis en otros artistas 



Fuentes
americansongwriter.com
whosampled.com
staxmuseum.com