lunes, 20 de marzo de 2017

Chuck Berry - 1926 - 2017

Me enteré de la muerte del viejo Chuck el sábado a la noche a través de twitter, en la cuenta oficial de los Rolling Stones y las personales de Mick, Keith y Ronnie. Pero instantes después me cayó una catarata de testimonios de grandes figuras del Rock y aledaños que en 140 caracteres lo despedían y dejaban una percepción sobre su infinita importancia y su inmortalidad indiscutida. Nadie va a definir mejor a Chuck Berry que sus propios discípulos. De Keith Richards a Dave Mustaine, esto escribían:


Keith Richards: "Esos discos q grabó Chuck Berry en los 50 todavía son el modo supremo de tocar la guitarra en el Rock & Roll. Una de mis luces se apagó."
Ronnie Wood. "Es el fin de una era." 
Mick Jagger: "Chuck Berry dió vida a nuestros sueños de poder ser músicos de Rock & Roll."
Paul Stanley: "Una piedra fundamental de lo que es, fue y será el Rock & Roll."
Eric Clapton: "No hay otro modo de tocar la guitarra en el Rock & Roll que no sea como la toca Chuck." 
Alice Cooper: "Todos nosotros en el rock, hemos perdido a nuestro padre." 
The Doobie Brothers: "Fue el padre del Rock & Roll, una influencia para todos nosotros, será recordado por siempre."
Gregg Allman‏: "El primero, el mejor, un amigo. Descansa en Paz." 
Roger Glover: "El primer disco que compré con mi propio dinero fue uno Chuck Berry. Toda banda de Rock & Roll del planeta ha aprendido con sus canciones. Inmortal." 
Steve Cropper: "No estaríamos haciendo esto si no fuera por Chuck Berry
Ringo Starr: "El fue Mr. Rock & Roll music."
ACDC: "Chuck Berry es Rock & Roll. Es un día triste, pero su música vivirá por siempre."
Dave Mustaine: "Uno de los primeros solos que aprendí fue uno de Chuck Berry." 
Rod Stewart: "Todo empezó con Chuck Berry. Nos inspiró a todos. El primer álbum que compré fue "Live at the Tivoli" de Chuck, y nunca fui el mismo."
Slash: "Indiscutiblemente fue el Rey."
The Doors. "Uno de los mas grandes innovadores del Rock & Roll y una enorme influencia para nosotros."
Brian May: "Fue extremadamente original y desafiante."
Toots Hibert: "Master Musician....Major Melody Maker...Roots of Rock & Roll....Fantastic Friend......"
Bruce Springsteen: "El mas grande autor de Rock & Roll que haya existido." 
Lenny Kravitz: "Ninguno de nosotros estaríamos aquí si no fuera por Chuck."
Joe Perry: "On Top de Chuck Berry es quizá mi disco preferido de todos los tiempos: define el Rock & Roll"
Fantastic Negrito: "Rey, leyenda, genio, un artista puro y maestro escritor de canciones." 
John Lennon : "Si quieres ponerle al rock and roll otro nombre, podrías llamarle Chuck Berry"




Pero nunca nos olvidemos, sin T Bone Walker, no hubiera habido Chuck Berry. Hoy Chuck se encuentra con su maestro.  

miércoles, 1 de marzo de 2017

Sharon Jones & The Dap Kings - 100 Days, 100 Nights - 2007


“Nunca dejé de cantar, ya fuese en bodas o en bares, y siempre interpreté la música en la que creía: Gospel, Soul, Funk… Cuando conocí a Gabe Roth me di cuenta de que Daptone Records no daba importancia al aspecto de sus artistas, sino únicamente a su talento. Buscaban tres coristas para un single de Lee Fields, y me hicieron una audición. Me escucharon y de inmediato me propusieron hacer un álbum.” 

Quien dice esto es la cantante Sharon Jones, el año es 2001 y el álbum al que hace referencia es "Dap Dippin' with Sharon Jones & the Dap Kings". El disco fue editado en 2002 y desde entonces nada fue igual para la escena del soul mundial. Con un sonido clásico logrado a la perfección, Sharon Jones & The Dap Kings, y también Amy Winehouse y Marc Ronson, trajeron el Soul de vuelta a la escena. Esta vez en Escuchate Esto! repasamos la historia detrás de su tercer álbum de estudio, “100 days, 100 nights” y como, sin proponérselo, Amy Winehouse ayudó a Daptone.

Sharon & Roth
La portada, el sonido, el videoclip, todo en “100 days, 100 nights”, nos remite a los sesenta, a nuestro queridísimo sello Stax Records. El responsable de ese sonido tan logrado es Gabriel Roth, también conocido como Bosco Mann, bajista de la banda y uno de los fundadores del sello. “Daptone es como una gran familia, explica Sharon Jones. Yo participé activamente de sus comienzos, construyendo el estudio y decidiendo temas clave como el nombre de la compañía. Por eso cuando me preguntan cómo es ser una artista de Daptone Records me gusta decir que yo SOY Daptone Records (Risas)".

En una entrevista a MTV News, Marc Ronson, productor de Amy Winehouse, cuenta que mentrás preproducía el disco "Back To Black", 
estaba buscando un sonido clásico. “Usamos cada truco disponible en el estudio para sonar retro, pero nada me convencía. Hasta que escuche el cover de los Dap-Kings de “Uptight (Everything’s Alright)” de Stevie Wonder. No podía creer que estos tipos en Brooklyn tuvieran ese sonido, sonaban como los discos que yo amaba”. Entonces, Ronson le pidió a la banda que acompañara a Amy en el estudio. Según Roth, él y la banda (músicos de soul de segunda generación, como Binky Griptite, Fernando Boogaloo Velez y Homer Funkyfoot Steinweiss) “habíamos pasado horas eternas recorriendo el país en una van, escuchando a Sam Cooke y a los the Isley Brothers, viviendo y transpirando rhythm and blues.”. En comparación, esto era un laburo fácil y bien pagado (350 dólares por músico por tema).

Amy & The Dap-Kings
Jones nunca tuvo el físico que las discográficas querían para sus estrellas. Todo estaba bien si se limitaba a ser corista en un segundo plano. “Yo sabía que mi voz era un don que me había regalado Dios, y era frustrante que sólo me juzgasen por mi aspecto, y no por mis cualidades.” Esta vez, la historia se repetía para ella: quedaba afuera de un trabajo importante e incluso de su propia banda. “Pero estaba bien, cuenta Jones. Los Dap-Kings tenían un buen trabajo y eso estaba bien. pero aún así pensaba… “Conseguite tu propia banda!” . Ese sentimiento se amplificó cuando Winehouse contrató a los Dap-Kings en su gira debut por Estados Unidos.



Amy Winehouse en vivo con The Dap Kings

 “Back to Black” se convirtió en un éxito masivo y Roth ganó un grammy en el rubro técnico. Esto supuso que de repente un montón de gente iba a estar nuevamente interesada en el soul y en esa banda que acompaña a Amy. "Agradezco a Dios por Amy y Marc" finaliza Sharon Jones su entrevista con MTV. Daptone Studios se convirtió en el destino obligado para todo aquel que quisiera sonar retro por aquellos días. 


Marc Ronson devolvió la gentileza y colaboró en “100 days, 100 nights” y el resultado es exquisito. No voy a hacer una crítica del disco, son diez temas que te dejan con ganas de escuchar mas y hay que volver a darle play otra vez. “100 days, 100 nights”, “Be easy”, “Let them knock”, “Something’s changed” o “Keep on looking”, todos los temas son increíbles. 

Dap-Kings grabando 

La comparación con las grandes damas de soul se hace una vez más inevitable. Pero claro, James Brown también la influyó. Sharon cuenta en una entrevista, que “de niña pude ver a James Brown varias veces en vivo en Augusta, porque aunque me fui con mi madre a Nueva York, volví allí varios veranos con mi padre, y él me llevaba a sus conciertos. Recuerdo el primero al que asistí, y quedarme alucinada viendo a aquel hombre que no caminaba, sino que parecía flotar sobre el escenario. Recuerdo que mi hermano Henry solía imitarle cuando éramos pequeños, y como yo era la típica niña que siempre estaba rodeada de chicos, empecé a hacerlo también, y creo que esa influencia perdura a día de hoy a nivel escénico.”


Luego de una larga batalla contra el cáncer de páncreas, Sharon murió el 18 de noviembre de 2016. Pero gracias a su legado y a la vigencia de Daptone, el soul seguirá sonando desde Brooklin por mucho tiempo mas.


“100 days, 100 nights”  encontralo acá



fuentes: 
afrocubanlatinjazz4.blogspot.com.ar
amazon.com
hipersonica.com
intothewildunion.blogspot.com.ar
musicasoul.blogspot.com.ar
www.bbc.co.uk
www.mtv.com
https://www.youtube.com/watch?v=cgSYB0wOwU0


Lista de temas:
 "100 Days, 100 Nights" (Bosco Mann)
"Nobody's Baby"  (Homer Steinweiss/ Bosco Mann)
"Tell Me"(Neal Sugarman/Sharon Jones)
"Be Easy" (Mann)
"When The Other Foot Drops" (Uncle Mann/Steinweiss)
"Let Them Knock" (Mann)
"Something's Changed" (Mann)
"Humble Me" (Mann)
"Keep On Looking" (Tommy Brenneck/Steinweiss)
"Answer Me" (James Bignon)
"Settling In" (Bonus Track)                
"Collection Song" (Bonus Track)


La banda esta compuesta por:

Sharon Jones (Voz)
The Dap Kings son:
Homer Steinweiss (Bateria)
Binky Griptite (Guitarra)
Bugaloo Velez (Congas)
Dave Guy (Trompeta)
Tommy ‘TNT’ Brenneck (Guitarra)
Bosco Mann (Bajo)
Neal Sugarman (Saxo Tenor)
Ian Hendrickson-Smith (Saxo Baritono)




 

jueves, 2 de febrero de 2017

Ray Manzarek - Sobre el nacimiento de The Doors, Ligth my fire y la influencia de la música negra


"No haces musica para la inmortalidad, la haces para el momento, para demostrar que estas vivo en esta Tierra. Todo el mundo debería experimentarlo alguna vez."
Podríamos escuchar a Ray Manzarek contar historias de The Doors por horas, y no nos aburriríamos. Y mucho mejor sería si, como en este caso, tiene su Vox Continental delante. En este pequeño video, Manzarek explica su encuentro con Jimi Morrison en la Universidad de Cine de California, la génesis de The Doors, y cómo compusieron Ligth my Fire entre los 4 miembros de la banda. Pero lo que mas me llamó la atención de esta charla del tecladista, es la cantidad de veces que menciona la influencia del jazz y la música negra en el grupo.
Que Morrison tenia una voz embrujada, muy a lo Chet Baker; que mientras lo escuchaba cantar Moonligth Drive, ya imaginaba un acompañamiento funky, bluesy, onda Ray Charles; que The Doors nació como una banda de Jazz Rock, aún antes de que ese concepto existiera; que Krieger presentó Ligth My Fire como una especie de folk, pero Densmore propuso hacerlo mas latin jazz; que para la parte de las improvisaciones se le ocurrió emular "My favourite Thigns" de Coltrane. Por todo esto, me pareció que Escuchate Esto! era el lugar apropiado para compartir este video. Ojalá lo disfruten tanto como yo. 

domingo, 22 de enero de 2017

Otis Redding - Live at the Whiskey A Go Go: The Complete Recordings - 1966

En un interludio entre un tema y otro, Otis Redding anuncia que se está grabando un disco en vivo, y pide: “Compren este álbum, tenemos que comer la semana próxima!” y uno de sus músicos irrumpe en otro micrófono y dice “Tenemos que comer ESTA semana!”. Esta es una muestra perfecta de la necesidad que tenían los artistas de soul, de llegar a las audiencias masivas. Su desembarco en el Whiskey A Go Go en West Hollywood, California, fue un intento deliberado de salir del Chitlin Circuit y llevar su música a una audiencia rockera. Motown estaba creciendo mucho y Stax Records, en su alianza con Atlantic, no quería quedarse atrás. Entonces, Sunset Strip, lugar habitual de The Byrds o The Doors, por citar dos ejemplos emblemáticos, demostraba ser el sitio apropiado para presentar a Redding a un público mayormente blanco. Editar el disco en vivo, también era parte de esta estrategia. Cuando Otis Redding salió al escenario el 8 de abril, el aplauso fue moderado. Tuvo que trabajar mucho a esa audiencia. Con todo el respeto que me merece James Brown, estas grabaciones son una buena oportunidad para que el apodo “The Hardest Man in Showbusiness” sea, por lo menos, compartido con el gran Otis.

Live at the Whiskey A Go Go
En Noviembre de 2016 salió a la luz esta caja de seis CD conteniendo las grabaciones completas de los siete conciertos realizados en esos días, todos los sets completos y en el orden que fueron tocados, incluyendo las charlas con el público entre tema y tema. La versión de Otis de “(I Can’t Get No) Satisfaction” es tocada diez (!) veces en toda la serie, Algunas otras canciones aparecen también con similar frecuencia (“I Can’t Turn You Loose", “Good to Me”), además de agregar covers de James Brown (“Papa’s Got a Brand New Bag”) y The Beatles (“A Hard Day’s Night”). Todo para complacer a su nueva audiencia. Algunos temas superan los seis minutos, Otis da a la banda el espacio para lucirse mientras el “trabaja” a la audiencia, y "Chained and bound" es una prueba de ello. Como condimento extra, podemos comprobar que el músico nunca hacía una versión igual a la otra. Estamos ante uno de los cantantes mas importantes de la historia capturado en vivo en su pleno apogeo. Escuchando estos conciertos, no puedo dejar de pensar en lo influyente que fue Sam Cooke para Redding. Su disco, "Live at the Harlem Square", también en vivo, es muy similar a este.


En estos conciertos, no lo acompaña Booker T & The Mg's, como solía pasar en las grabaciones, sino su banda de ruta, "The Otis Redding Revue", un grupo de diez músicos que tocaban con él en sus giras por el Sur. Cuenta a historia que cuando en Stax escucharon las cintas, decidieron que el resultado era demasiado crudo para ser editado. No solo su calidad de sonido era pobre, sino que objetaron que la banda a veces sonaba algo floja y los vientos desafinados en algunas ocasiones. Jim Stewart, fundador de Stax/Volt decidió archivar el disco. Recién en 1968, luego de la muerte de Otis Redding, cuando el público demandaba más de su música, salió una selección de estas canciones en un disco llamado “In Person at the Whisky A Go Go”. Me resulta difícil encontrar esas fallas, pero lo que fuera, pone el contexto perfecto para disfrutarlo como si estuvieras ahí. No son muchas las grabaciones de soul de esa época que podamos encontrar, y esta grabación representa un manifiesto muy importante para el género,

Robby Krieger, guitarrista de The Doors, dice “recuerdo estar justo enfrente del escenario el show completo. Nunca había escuchado a Otis Redding antes, y me vi sorprendido por la energía que manejaba en escena”. Otros músicos que estuvieron presentes en los shows fueron Bob Dylan, Van Morrison, Taj Mahal y Ry Cooder.

Finalmente Otis cruzó ese charco y llegó a esa audiencia rockera en forma masiva en el Monterey International Pop Festival, en el 67, esta vez si, acompañado por Booker T. & the M.G junto a los Memphis Horns, pero esa es otra historia. Live at the Whisky a Go Go es una herencia hermosa que nos queda del Rey del Soul. Y si, esta vez la palabra “esencial” es apropiada. Asi que, no lo dudes y escuchate esto!

Fuentes:
latimes
stax
popmatters
amazon

Músicos:
Otis Redding – vocals

James Young – guitar
Robert Holloway – tenor saxophone
Robert Pittman – tenor saxophone
Donald Henry – tenor saxophone
Sammy Coleman – trumpet
John Farris – trumpet
Clarence Johnson – trombone
Katie Webster - piano
Ralph Stewart – bass guitar
Elbert Woodson – drums

sábado, 14 de enero de 2017

Los sellos discográficos que marcaron mi vida

En algún momento deje de ser un simple adolescente al que le gustaba escuchar discos, y me convertí en un fanático de la música. Pasados mis 20 años, empecé a leer libros, buscar recortes de diarios, leer mas en detalle los booklets de los cds, y hurgar en todo lo que tuviera que ver con los músicos que yo escuchaba, sus orígenes, sus influencias, sus instrumentos. Y claro, los nombres de las discográficas empezaban a repetirse. Rock & Roll, Blues, Soul, Jazz, Rocksteady...en esta entrada comparto las principales discográficas que día a día me alimentan.


Lo primero que sale cuando pensas en Sun Records es Elvis. Pero el viejo Sam Phillips, en su estudio de Memphis, grabó y editó a muchos músicos negros de blues y soul. Sun fue la primera casa independiente fuerte en la historia del Rock & Roll. Ike Turner colaboró con Phillips desde el principio, incluso descubriendo talentos como Howlin' Wolf o B.B. King, y llevándolos a grabar a su establecimiento. 

Mi top 5:

"How Many More Years" - The Howlin' Wolf: En 1951 Sun Records se llamaba Memphis Recording Service. Phillips la grabó y se la pasó a Chess Records para editarla. Wolf canta y toca la armónica, y algunos dicen que el pianista es Ike Turner. Howlin' Wolf es el primer aporte de Sam Phillips al rock & roll, ya que para 1951 no era usual encontrar una banda con un sonido tan poderoso. 
"Rocket '88'" - Jackie Brenston & His Delta Cats: Esta canción de 1951 siempre fue acreditada como el primer single de rock & roll de la historia, por varios motivos. El ritmo, el estilo de “heavy blues” de la interpretación (muy adelantado para su época), el sonido oscuro del tema, pero fundamentalmente se destaca por ser la primera grabación en la que suena una guitarra con distorsión, a cargo de Willie Kizert. Ike Turner en piano es indestructible. 
"She's Dynamite" - B.B. King: Boogie pura sangre, grabado en 1951, también con Ike Turner en piano. Demoledor. 
"Tiger Man (King Of The Jungle)" - Rufus Thomas. Thomas se convirtió en una celebridad en el Sur con esta canción de 1953. Uno de los mas grandes showmen del soul. 
"I'm Gonna Murder My Baby" - Pat Hare : Dice Keith Richards en su libro "Life": “Pat Hare solía tocar con Muddy Waters y también hizo unas cuantas canciones con Chuck Berry. Una de las que llegaron a ver la luz se titulaba "I’m gonna murder my baby" y apareció en el baúl de los recuerdos de los estudios Sun después de que Pat hiciera precisamente eso y luego se cargara al policía que mandaron a investigar lo ocurrido: lo condenaron a cadena perpetua a principios de los 60 y murió en una cárcel de Minnesota”. 


A Chess Records le debemos a Muddy Waters, Chuck Berry, Little Walter, Buddy Guy. ¿Qué mas se puede pedir? Para mi, el sello de blues más importante de la historia. Nunca podremos estar lo suficientemente agradecidos a los hermanos Leonard y Phil Chess por todo lo que hicieron. La película Cadillac Records (2008) es una interesante biopic sobre la historia de Chess y aunque algunos pasajes nos puedan parecer exagerados, el film da una idea bastante cercana de cómo se hacían las cosas en aquellos años. 

Mi top 5: 
"Forty Days Forty Nights" - Muddy Waters: Basado en un tema de Bernard Roth. La armónica distorsionada de Little Walter está llamativamente al frente de la mezcla, lo cual hace que el tema sea sumamente pesado. La sesión esta recreada en Cadillac Records. 
"Commit a crime" - Howlin Wolf: La canción esta protagonizada por el gran riff a cargo de Hubert Sumlin, el genio detrás de Wolf
"Let me love you baby" - Buddy Guy: No suelo escuchar viejos temas de Guy de la época de Chess. Debería hacerlo mas seguido. Este tema lo conocí gracias al cover de Stevie Ray Vaughan en su disco "In Step".
"Hate to see you go"- Little Walter: En Blue & Lonesome, ultimo disco de los Stones, esta incluido este cover. Un solo tono, típico riff Chicago y mucha onda para el único y el mas grande de la armónica, Walter Jacobs. 
"Little Queenie" - Chuck Berry: Chuck Berry y Johnnie Johsnon, nada puede salir mal


Cualquiera que haya leído alguna entrada de este blog alguna vez, seguramente se ha cruzado con algun dato referido a Stax Records. Creada por los hermanos Jim Stewart y Estelle Axton , Stax Records (primero Satellite Records), se instaló en un viejo cine en el sur de Memphis, pleno barrio negro de la ciudad. El estudio de grabación fue instalado en el auditorio del cine. Según algunos especialistas, el hecho de que el suelo del estudio (del cine) estuviese inclinado, creaba una anormalidad acústica que se trasladaba a las grabaciones, y dió como resultado el potente, profundo y crudo sonido Stax. "Cause I love you" de Rufus Thomas y su hija Carla Thomas,  fue el primer hit creado en ese estudio en 1961. Ese año Atlantic Records, llegó a un acuerdo para la distribución del material a nivel nacional. En 1962 llega a Stax un adolescente que tocaba el órgano y la tuba, llamado Booker T. Jones. Meses después, el tal Otis Redding. Estos dos músicos cambiarían para siempre la historia de la discográfica. 

Mi top 5:
(No estan "Green Onions", ni "Knock On wood" ni "I can't turn you loose". Elijo otras.)"I'm depending on you"- Otis Redding: De las recientes grabaciones restauradas en vivo del Whisky A Go Go de 1966, toda la potencia de Otis Redding en este tema. 
"Chinese Checkers" - Booker T and the Mg's: Siempre la elijo porque es muy agradable escuchar a Booker tocando el rhodes. Los matices de los vientos son inigualables. 
"Set my soul on fire" - Eddie Floyd: Probaron escucharlo cantar otra cosa que no sea "Knock on wood"?
"Baby get hip to yourself" - Little Johnnie Taylor: La sonoridad y la banda de la casa Stax siempre le sentaron muy bien al blues, y Little Johnnie Taylor es uno de los que lo pudo comprobar.
"I take what I want" - Sam & Dave. La fuerza de estos dos cantantes era inusitada. 


A Motown la conocí primero por The Jackson Five, pero luego aparecieron en mi camino Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Temptations y el enorme bajista de la banda residente, uno de mis héroes en el bajo, James Jamerson. Berry Gordy la fundó en Detroit en 1959 y desde entonces ha jugado un papel fundamental en la difusión de la música popular estadounidense, influyendo en la mayoría de los estilos actuales. Su sonido es una marca registrada. Pero también Gordy se ha destacado por la manera en que exprimía a los artistas que pasaban por la casita Motown.


Mi top 5 (todos tocados con el Fender Precision de Jamerson):
"Stubborn kind of fellow" - Marvin Gaye: Las figuras de ídolo pop y cantante gritón coinciden en este soul con cencerro y flautas de los primeros años de Marvin.
"The world is rated X" - Marvin Gaye: Marvin ya estaba en su etapa combativa. De su obra cumbre, "What's Going on", sale este oscuro funk.
"Signed, Sealed, Delivered, I'm yours" - Stevie Wonder: Los vientos, los coros, la pandereta y los gritos de Stevie, llevan adelante este tema de 1970.
"I was made to love her" - Stevie Wonder: Este tema corrió cabeza a cabeza en los charts de 1967 junto a "Ligth My Fire", de The Doors. Armónica, sitar eléctrico y una guitarra muy sucia por el canal derecho. 
"Ain't too proud to beg" - The Temptations: David Ruffin a cargo de la voz principal. Es todo lo que necesitan saber.


Alfred Lion y Francis Wolff formaron un equipo artístico único: mientras que el primero se ocupaba de las producciones musicales, el otro se encargaba de la producción gráfica y la publicidad. Todo comenzó en 1939. Su filosofía estaba clara: grabar jazz de calidad. Sidney Bechet, Thelonius Monk, Bud Powell, Sonny Rollins, John Coltrane, Miles Davis, Art Blakey, Horace Silver, Dexter Gordon, Herbie Hancock, Wayne Shorter, la lista de artistas que han grabado para Blue Note, produce vértigo. Pasaron del hot jazz al hardbop, del swing al free jazz, del bebop al nu soul, al hip hop. Por supuesto, hoy sigue muy activa. 

Mi top 5

"Boogie Woogie Stomp " - Albert Ammons - Meade "Lux" Lewis: Del disco "The First Day". Esto es, literalmente, la primer grabación de Blue Note.
"Somethin' Else" - Cannonball Adderley: El cálido saxo alto de Adderley, tocando este tema compuesto por Miles Davis y acompañado por el mismísimo Miles, además de Hank Jones en piano, Sam Jones en contrabajo y Art Blakey en batería.
"Chitlins con carne" - Kennt Burrell: Conocí este tema y a este guitarrista, gracias a Stevie Ray Vaughan. Burrel fue una de las principales influencias que siempre mencionaba SRV. Esto sería lo que se conoce como soul - jazz
"Instrospection" - Thelonious Monk. Cuesta creer que Monk grabó este tema en 1947. Las ideas suenan muy avanzadas para la época
"Backward Country Boy Blues" - Duke Ellington. Ellington, Charles Mingus y Max Roach "casi" hacen blues tradicional. 


A partir de 1956, Verve grabó a prácticamente todo aquel que tenía algo nuevo que aportar al mundo del jaz. Al mismo tiempo, tuvo mucho peso en la lucha contra la segregación racial. Fue la primera empresa en juntar a músicos negros y blancos, pagarles lo mismo, permitirles que compartieran camerino y dejar que en el público las razas también se mezclaran para disfrutar de los shows. A principios de los años cuarenta, el fundador de Verve, Norman Granz organizó por primera vez una noche de jazz para blancos y negros y luego llevó la experiencia al aire libre, en el auditorio filarmónico de Los Ángeles, donde montó la serie "Jazz at the Philarmonic". 

Mi Top 5

"Satisfaction" - Jimmy Smith: Del clásico de Jagger y Richards, Smith solo toma el título. Este tipo es el padre del acid jazz: Acá pueden comprobar porqué. Groove con mayúsculas. 
"Djangology" - Django Reinhardt: Todo el virtuosismo del gitano mas grande de todos, que encontró en el violinista francés Stephane Grappelli, su balance en este mundo. 
"Rails" -  Dizzy Gillespie Small Group Sessions: Gillespie siempre exquisito, su sabor bebop, mezclado con música afrocubana. 
"Love me or leave me" - Nina Simone: Nina fue un prodigio del piano (tocaba desde los 3 años) y logró mezclar su formación clásica con la música popular negra. Su background era lo clásico y la iglesia. El solo de piano en "Love me or leave me" es el encuentro que nunca se dió entre Oscar Peterson y Bach. 
"Lester Leaps in" - Charlie Parker: La caja "Bird: The Complete Charlie Parker" es infinita. En ella podemos escuchar cada nota que Parker grabó para Verve, incluyendo sus apariciones en "Jazz at the Philharmonic". Parker grabó para Verve en los últimos 5 años de su vida, un período en el que, además de tocar con su quinteto, experimentó con cuerdas y música Afrocubana. Tenía que elegir un tema y elegí "Lester Leaps".

Bonus Tracks: 










Entre el 66 y el 68, Jamaica vivió la era dorada del rocksteady, puente entre el ska y el reggae. Resulta que Treasure Isle y Studio One ayudaron a tender ese puente. Duke Reid y Coxsone Dod, apuraban las sesiones de grabación y competían ferozmente por el mercado. El Rocksteady fue, sin dudas, el soul de Jamaica. Cualquiera de estos artistas podría hacer nacido en Memphis y hubiera sido tranquilamente una estrella del soul. 

Crédito: Catarsis Rocksteady, Lutxo Pérez, 33 Series

Mi Top 5
"Wear you to the ball" - The Paragons: Se dan cuenta a lo que me refiero? Esto es soul con todas las letras. John Holt es un angel. 
"Moonligth Lover" - Joya Landis: Toda la sencillez y dulzura del rocksteady se sintetiza en este tema.
"Why did you Leave" - Alton Ellis & Phillys Dillon: Desde el primer golpe de la batería, con la apoyatura de los vientos, este tema muestra su fuerza. Alton y Phillys Dillon fueron uno de los mejores dúos de la era.
"Nice Time" - Bob Marley and the Wailers: La influencia de The Impressions (Motown) se nota a las claras en esta primera versión.
"Fu Man chu" - Desmond Dekker: El timbre único de Desmond Dekker, el burbujeo de guitarra del maestro Lynn Taitt y todo el misticismo en este tema.



viernes, 23 de diciembre de 2016

Hepcat - Right on Time - 1998

Hepcat es de esas bandas que te hacen viajar al pasado, las escuchás y pensas que son de otra época. Sin embargo, la banda se formó en Los Angeles a fines de la década del 80. A pesar de haber nacido en plena movida de Ska Core, Hepcat posee un sonido extremadamente jamaiquino; ska, rocksteady, soul jazz, r&b, todo junto con una elegancia pocas veces escuchada.

La historia indica que en 1989 el cantante Greg Lee y el tecladista y también cantante Deston Berry, dos aficionados de la música de Jamaica, forman Hepcat. Sus aspiraciones en ese entonces, era moderadas. Con el agregado del actor y cantante Alex Désert en la voz y una prolija sección de vientos, en 1993 editan el primer disco de la banda, “Out of Nowhere” (Moon Records). Su perfil de ska clásico ya se nota a las claras en este trabajo. En 1996 se edita “Scientific” y con este disco bajo el brazo comienzan los tours por Estados Unidos y Europa, reforzando su buena reputación en la escena reggae y ska internacional. Esto los llevó a firmar contrato con Hellcat/Epitaph Records, el sello de Tim Armstrong, líder de Rancid.  

"Hepcat posee una devoción por el estilo clásico del ska que no tiene comparación" explica Armstrong. “Cuando llevamos a Hepcat a Jamaica, pasamos por un estudio a grabar algunos temas... fue como si hubieran vivido ahí desde siempre, conocían a cada persona, lugar, estudio en la escena de Kingston." Su tercer disco, "Right On Time" fue lanzado en 1998 y se convirtió en el mas exitoso de sus trabajos, tanto en ventas como en críticas. Esto les abrió un mercado mas amplio que el ska, pudiendo tocar en varios festivales de jazz, fundamentalmente en Europa.

Sería muy injusto decir que Hepcat es solo una buena banda de ska. En “Rigth on time” escuchamos 13 tracks de verdadero ska, reggae, rocksteady, R&B, y jazz, con un sonido fresco como pocos pueden lograr. incluyendo la que para mí es su canción  emblema: "I can't wait". 
Aunque suene trillado, Rigth on Time es un disco imprescindible, así que no lo dudes y Escuchate esto!



Lista de Temas:
Right on time
I cant wait
Goodbye street
The secret
Pharoah's dreams
No worries
Mama used to say
Rudies all around
Tommy's song
Nigel
Together someday
Baby blues
Open season is closed

viernes, 2 de diciembre de 2016

The Rolling Stones - Blue & Lonesome - 2016

Imagino lo que estarán diciendo los lectores de este blog... "Otra vez los Stones?!" Y bueno, queridos amigos, es así, no lo puedo evitar. Ellos me han enseñado el camino, nombres como Muddy Waters, Little Walter, Howlin Wolf, Otis Redding... los oí primero saliendo de sus bocazas. Y creo que no me va a alcanzar la vida para devolverles todo lo que me dieron. Entonces, al grano. 

Por primera vez en su carrera, los Rolling Stones han elegido editar un disco conteniendo únicamente covers de blues. El primer tema, "I’m Just Your Fool", explota por los parlantes, sonando mas crudo y vibrante que lo que la banda sonó en años. Si bien Blue & Lonesome nos puede sonar como a un show de Mick Jagger y su banda (su voz y su armónica realmente llevan el disco adelante) hay fantásticas contribuciones guitarrísticas por el tal Keith Richards y su flacucho amigo Ronnie Wood. El sonido es visceral y esta vivo, las guitarras sacan chispas, los tambores suenan duro y todo -incluida la voz de Jagger- suena levemente distorsionado, como si estuvieran tocando a un volumen que lo micrófonos no pudieran manejar. Pero claro, eso es obra del maestro Don Was. 
Ademas de algunas impresiones propias, seleccioné algunos pasajes de una entrevista publicada en la Revista Rolling Stone, 
donde los músicos hablan de la génesis del disco. Imaginemos que estamos ahí y disfrutemos del mejor disco de los Stones en... 30 años?! Y si, porqué no?!


Según explica Keith Richards, en diciembre 2015 la banda se encontró en el estudio de Mark Knopfler, el British Grove Studio en Londres, para trabajar en canciones nuevas. Resulta que el estudio de Knopfler es enorme, equipado con una mezcla ideal de equipos tanto vintage como modernos, techos altos, hermosos pisos de madera. Aun así, se trata de un contexto nuevo para los Stones. "Nos conozco muy bien, declara Richards, y se que grabar música nueva en un estudio nuevo, puede llevarnos semanas antes que podamos ganarle el sonido al lugar." Entonces Richards le sugiere a Ronnie que se aprenda un viejo lado B de Little Walter, "Blue and Lonesome" como para romper el hielo nomás. Traen el tema al estudio, Jagger se suma con su armónica y en dos tomas la banda encuentra lo que estaba buscando. Siguen con "Baby, please, come back to me,", a pedido de Jagger y las cosas siguen funcionando muy bien. Al día siguiente, es Jagger quien ha sido cautivado con la idea y sorprende a todos trayendo, él mismo, mas opciones de covers. Pero no son los clásicos de siempre. Son temas menos populares, mas oscuros, tal vez, a lo que nos tienen acostumbrados. 

Eric Clapton esta en la sala contiguo, mezclando algunos tracks, y por supuesto, un día, entra al estudio que ocupan los Stones. A saludar nomás. Cuentan que su reacción es la de un fanático, se queda sorprendido de lo que escucha. Sus amigos le piden que se sume en una o dos canciones, y Eric elige una de las guitarras de Richards, una Gibson 335 que lo ayuda a lograr un tono mas gordo, como en sus viejos tiempos. Podemos escuchar a la banda aplaudiendo a Clapton al final de "I Can't Quit You Baby." Eso esta en el disco. 

"El disco se hizo solo" dice Richards. "Bueno, también fue producto de una vida entera investigando" agrega Wood. Los legendarios weaving (algo así como tejidos) de guitarras se sacan chispas en “Commit a Crime” y “Ride ‘Em on Down,”. Mi conclusión es que hoy día, The Rolling Stones se sienten mas cómodos haciendo este repertorio, que sus propios temas. Volviendo a sus raíces, los Stones encuentran una nueva forma de envejecer.


Mick explica -con mucha humildad- que lo que hace especial al blues son los pequeños cambios que se van sucediendo generación tras generación. "Los músicos reinterpretamos y así le agregamos algo al género. Elmore James reinterpretó a Robert Johnson, lo mismo hizo Muddy Waters. No digo que nosotros estemos dando los saltos que ellos dieron, pero podemos ayudar un poco reinterpretando estas canciones." Keith Richards se juega en afirmar que "este es el mejor disco que Mick Jagger ha hecho jamas". Richards es un eterno fan del Jagger armonicista. "Verlo al tipo disfrutando lo que hace mejor que nadie... y digamos la verdad, la banda también hace lo suyo" concluye.  

Para cerrar, comparto una cita publicada en la cuenta de twitter de Keith: “Trajimos el blues al centro de la escena otra vez. Y por eso, estoy eternamente orgulloso. Es probable que esa sea la única forma en la que yo pueda entrar al cielo” - KR. 



Músicos: 
Mick Jagger – vocals, harmonica
Keith Richards – guitar, vocals
Ronnie Wood – guitar
Charlie Watts – drums
Darryl Jones – bass guitar
Chuck Leavell – keyboards
Eric Clapton – guitar on "Everybody Knows About My Good Thing" and "I Can't Quit You Baby"
Matt Clifford – keyboards
Jim Keltner – percussion on "Hoo Doo Blues"

Temas: 
"Just Your Fool", Buddy Johnson
"Commit a Crime", Howlin' Wolf
"Blue and Lonesome", Memphis Slim
"All of Your Love", Magic Sam
"I Gotta Go", Little Walter
"Everybody Knows About My Good Thing", Miles Grayson and Lermon Horton
"Ride 'Em On Down", Eddie Taylor
"Hate to See You Go", Little Walter
"Hoo Doo Blues", Otis Hicks and Jerry West
"Little Rain", Ewart G. Abner Jr. and Jimmy Reed
"Just Like I Treat You", Willie Dixon
"I Can't Quit You Baby", Willie Dixon